sábado, octubre 14, 2017

Lecquian presenta su nuevo sencillo "Viento Astral"

Comunicado de prensa

La banda chilena de Hard Folk LECQUIAN, Finalmente después de siete años de estar alejada de los estudios, graba en forma oficial su nuevo single VIENTO ASTRAL, lanzado oficialmente el pasado 1 de Septiembre (2017), registro realizado en Estudios Arcaico & Convicción Records en Agosto 2017.

VIENTO ASTRAL lo presento en su mini tour por Chile realizado en Septiembre, donde recorrió las ciudades de Rancagua, Valparaíso y Santiago. La grabación cuenta con la colaboración de Grrero Arcaico en la batería.


Los Golpes de Chile - Gira USA Noviembre 2017


viernes, octubre 13, 2017

Hoy se promulga ley del Ministerio de las Culturas

El Mercurio

El Estado entregará $17 mil millones para la implementación de la cartera, un proceso que podría comenzar antes del fin de este mandato. Aquí, habla el ministro Ottone.  

Por Daniela Silva Astorga 

Ya puede afirmarse -después de más de cuatro años de trabajo, dos gobiernos involucrados y múltiples ajustes- que el primer Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de Chile, que reunirá al actual Consejo de la Cultura (CNCA) y la Dirección de Bibliotecas, Archivos y Museos (Dibam), está bastante cerca de su concreción. Hoy, a las 18:00 horas, la Presidenta Bachelet promulgará la ley que lo cimenta, en el marco de una celebración artística más amplia, que suma la 15ª versión de Museos de Medianoche y el concierto "Violeta en los balcones".

"Para esta promulgación quisimos establecer estos dos hitos que representan lo que queremos que sea el futuro ministerio. Por eso, a la ceremonia están invitadas personalidades del mundo de la cultura y del patrimonio, junto con ciudadanos y organizaciones. Buscamos que estén convocados todos los representantes de nuestras culturas", enfatiza el ministro de Cultura, Ernesto Ottone.

Con la ceremonia de hoy comenzará otro extenso proceso de trabajo: la implementación de la cartera. Como explica el ministro, en base al proyecto, la puesta en marcha podría tardar, incluso, ocho años. Eso, hasta que la nueva institucionalidad esté 100% operativa, con sus dos subsecretarías -de las Culturas y las Artes, y del Patrimonio-, sus secretarías regionales ministeriales y su Servicio Nacional del Patrimonio (que acogerá al Consejo de Monumentos y a otros organismos), trabajando en completa coordinación.

Para todo el proceso de puesta en marcha, el Estado comprometió $17 mil millones, $8.000 millones para el primer año. Son dineros que no entraron en la discusión del Presupuesto de 2018, porque el ministerio no se había promulgado. ¿Están garantizados esos recursos? "Claro que sí, porque cuando se aprobó el ministerio en el Congreso, en agosto, se incluyeron los fondos. Están considerados en el proyecto de ley, y el Estado los debe poner para la implementación de la institucionalidad". Recién cuando la cartera esté conformada, entrará en la discusión presupuestaria anual.

¿Qué sigue entonces en el cronograma? En la primera etapa de la implementación, especifica Ottone, se regularizarán los contratos de quienes están a honorarios (en la Dibam) y se contratará, a través de concursos públicos, a los nuevos 390 empleados que requerirá la cartera y que se sumarán a los 1.200 funcionarios que integran el CNCA y a los 1.600 de la Dibam. Así, al unir ambas instituciones, el nuevo ministerio tendrá una dotación de, aproximadamente, 3.000 personas.

Para que la implementación de la nueva institucionalidad parta, hay que esperar la promulgación de los decretos con fuerza de ley (DFL) del ministerio, sus subsecretarías y su servicio. Hay un plazo de seis meses, a partir de hoy. Pero Ottone espera que sea más rápido: "Desde diciembre de 2015 venimos trabajando, de cara a los DFL, en una mesa con los funcionarios y las instituciones involucradas, junto con la Dirección de Presupuestos (Dipres). Como cerraremos eso en octubre, creo que la implementación podría partir antes del fin de este mandato. Sin embargo, por todos estos tiempos, sabíamos de antemano que lo más probable era que no nos tocara la puesta en marcha. Definitivamente, quien asuma los desafíos culturales en un próximo gobierno tendrá mucho trabajo".

TRAS LA CEREMONIA

Se hará el concierto "Violeta en los balcones" (20 horas) y, durante la noche, más de 110 espacios culturales de Chile estarán abiertos al público.

jueves, octubre 12, 2017

Ankatu Alquinta: “Para mí, honrar la memoria de mi padre es hacer música nueva”

La Tercera

El hijo de Gato Alquinta reaparece en la escena con Dicen que, su primer álbum como solista. Un trabajo de cantautoría, rock y música de raíz que comenzó a trabajar tras su mediática salida de Los Jaivas.

Los primeros días de 2013 marcaron un punto de quiebre en la carrera de Ankatu Alquinta Ross (47). Tras una década ocupando el vacío que dejó en Los Jaivas la muerte de su padre, en enero de ese año el músico fue despedido por los restantes miembros de la histórica agrupación, quienes consideraron que los proyectos paralelos de su entonces guitarrista eran incompatibles con los del conjunto. La determinación tuvo dos efectos inmediatos: primero, Alquinta demandó a su ex banda por despido injustificado, acción que al año siguiente se resolvió con un acuerdo extrajudicial entre ambas partes. Pero en paralelo, tras una partida que el músico describe como “traumática”, el hijo de Eduardo “Gato” Alquinta sacó la voz. “Ese año comencé a cantar, lo que me animó a tomar algunas canciones que había hecho, e instantáneamente empezaron a aparecer otras creaciones”, cuenta.

Casi cinco años después de su salida de Los Jaivas, Alquinta se estrena formalmente como solista con Dicen que, LP de nueve canciones que compuso en el último año, ya disponible en plataformas digitales y que el guitarrista lanzará en vivo el 2 de diciembre en la Casona Nemesio Antúnez de La Reina. Un trabajo donde el también sonidista combina rock y música de raíz latinoamericana, como parte de una propuesta de cantautoría muy personal pero indudablemente influenciada por la banda que fundó su progenitor.

“He incorporado muchos elementos de mi padre en este desarrollo artístico porque considero importante el tema de la identidad. Gato es el principal referente de la guitarra eléctrica en Chile y si alguna enseñanza me dejó es esa esencia creativa y evolutiva en la música. Para mí, honrar su memoria es hacer música nueva”, comenta el solista.

-Según comentó en aquel momento, fue justamente esa necesidad creativa la que lo terminó distanciando del resto de Los Jaivas.

-Por supuesto que tuvo mucho que ver. Ellos están en una etapa de difundir su legado, de reproducir un sonido histórico de los Jaivas que es lo que el público de ellos quiere también, y quizás yo no me amoldaba en ese enfoque porque lo mío es hacer música nueva. La música tiene que ser evolutiva. Los Jaivas están vivos cuando hay nuevos músicos adaptando su legado para hacer música nueva, no para repetir su repertorio.

-¿Fue necesario ese remezón de 2013 para decidirse a emprender un proyecto en solitario?

-Claro. Es como un parto, sales al mundo de manera traumática y a porrazos te vas levantando. Porque además mucha gente cree que por ser hijo del Gato Alquinta uno tiene el camino pavimentado y eso es una falsedad. En este país no hay circuitos para difundir cultura, por el contrario, la gente es reacia a escuchar propuestas nuevas y muchos esperan que yo toque Los Jaivas, pero cuando escuchan estas canciones se disuelve este conflicto.

-¿Luego del quiebre y la demanda mantiene algún tipo de relación con sus ex compañeros?

-Con Los Jaivas está todo cerrado. Lo que ocurrió fue lamentable, porque como gran parte de los chilenos siento un gran amor por su obra, es un pilar en mi formación como músico. Y aunque es algo en lo que no se puede dar pie atrás, por mi parte siento que ya está bien resuelto lo que en su momento fue un golpe para mí, en lo emocional y también en lo económico. En todo caso tengo los mejores recuerdos de Los Jaivas. Además de un privilegio, para mí fue una obligación estar allí representando a mi padre. Pero siempre lo que prevalece es la música, que en el caso de Los Jaivas es parte de nuestra historia y de la cultura popular.

José Vicente Asuar vive: todo el Festival Ai-Maako para él

El Mercurio

Mañana y el sábado, tres conciertos gratuitos en el Centro Cultural de España.
El gran pionero de la música electroacústica inspira toda la programación de este encuentro, el más importante del género en América Latina.  

Por Romina de la Sotta Donoso 

Compositor e ingeniero civil, José Vicente Asuar (1933-2017) fue el gran pionero chileno de la música electroacústica. En 1958 fundó el primer laboratorio de música electrónica de América Latina, y allí compuso la emblemática "Variaciones espectrales". Y en 1978 creó el Comdasuar, el primer computador chileno dedicado a la creación musical.

"José Vicente Asuar no dependió de otras tecnologías para crear y producir su propia obra. Él nos enseñó cómo tú mismo puedes construir tu propia tecnología y con ello producir obra y lograr una estética interesante e importante. Ese ejemplo sigue vivo", comenta Renzo Filinich, coordinador de la Comunidad Electroacústica de Chile (CECh).

Y justamente al maestro se dedica toda la programación del XV Festival Ai-Maako, en el Centro Cultural de España (Providencia 927, gratis). "La convocatoria internacional fue a componer creaciones acusmáticas con una referencia al trabajo de Asuar, pues nos interesa mostrar cómo las nuevas generaciones ven su obra", apunta Filinich.

Se seleccionaron seis obras que se presentarán mañana, a las 20 horas, de autores como Nicolás Rodríguez (Argentina), Luis Martínez (Bolivia) y Javier Party (Chile). Luego, a las 21:15 horas, programaron cuatro piezas de Asuar; entre ellas, las premiadas "Guararia repano" (1968) y "Affaires des oiseaux" (1976).

El sábado, a las 20 horas, será el turno de las obras creadas por miembros de la CECh, como José Miguel Candela, Alejandro Albornoz y Marcelo Espíndola, todas dedicadas a Asuar.

"A José Vicente Asuar le importaba generar un conocimiento sobre lo que significa el uso de la tecnología para las artes en general, no solo para la música, y por eso convocamos a un grupo de artistas sonoros, músicos y artistas visuales que está haciendo una residencia de cinco días. Ellos generarán una obra colectiva con una estética relacionada con Asuar, la que se estrenará este sábado", cierra Filinich.

Gloria Simonetti: "Aquí no hay respeto incondicional por una figura con 50 años de trayectoria"

El Mercurio

La cantante nacional adelanta el show que presentará el próximo sábado en el Teatro Oriente y con el que celebrará cinco décadas de carrera musical.  

Por Martín Cifuentes Fuentes 

Gloria Simonetti (69) hizo dos pausas durante esta entrevista: cuando se refiere a su hijo Cristian del Campo y a Luis Advis, su maestro. ¿Le emociona? "Es que son dos de las personas más trascendentales en mi vida en todo sentido, a nivel personal y profesional", dice la cantante nacional, que este sábado, a las 20:00 horas, celebrará sus cinco décadas de trayectoria en el Teatro Oriente. Ahí interpretará temas con los que se hizo conocida como "Mira, mira", "Para cuando vuelvas", "Prohibido" y su especial versión de "Gracias a la vida". También hará un recorrido por éxitos como "No llores por mí, Argentina", "Razón de vivir" "Ne me quitte pas" y "Balada para mi muerte".

Hace diez años, en el Teatro Municipal de Viña, hizo un show más sobrio, también de aniversario, pero asegura que esta vez será diferente. Su presentación estará dividida en tres partes: la primera incluirá las canciones de sus inicios; en la segunda interpretará temas que nunca fueron suyos -como "Hasta que te conocí"-; y la tercera estará formada por "los hitos de mi carrera", como "Ojalá" y "Entre paréntesis", entre varias otras.

"Ahora irá acorde con los tiempos, incluiremos imágenes y videos de mis inicios y de mi familia. Ahí seré interlocutora, porque la gente no tiene por qué entender quiénes son o qué significan para mí", adelanta Simonetti.

Además, durante su presentación, que contará con apoyo de un cuerpo de baile, tendrá como invitados a Ginette Acevedo -"alguien muy influyente en mi carrera"- y Daniel Guerrero, compositor de "Fiel", canción que recientemente grabó.

Siempre activa

"No es como que, bajándome del recital, vendré a encerrarme y a hacer croché", asegura la intérprete con una gran carcajada. "En este país no hay respeto incondicional por una figura que ha tenido una trayectoria de 50 años. Tienes que seguir demostrando que todavía cantas...", afirma, y luego agrega: "O que estás vieja, pero que todavía te la puedes".

La cantante adelanta que el concierto será grabado, por lo que saldrá un video. "Actualmente tengo otros conciertos míos en YouTube", añade.

Después de su presentación en el Teatro Oriente, la intérprete tiene planificadas actuaciones en San Antonio, La Ligua y Llay Llay, entre otras.

Otro de los temas pendientes, afirma, es volver a dar clases como cuando tuvo una academia en Viña del Mar. "Me di cuenta de que me gustaría retomar la docencia. Quizás en algo más independiente, pero centrarme en los más adultos y en los más niños. En los adultos porque para ellos es algo que les entrega vitalidad, y en menores porque es didáctico y entretenido", sostiene.

¿Quiénes han sido fundamentales en estos 50 años? "Mi hijo Cristian (actual Provincial Jesuita en Chile) y Lucho (Advis). Ambos fueron muy exigentes y me ayudaron. Son partes fundamentales de mi vida. Mi maestro estará siempre en mi música, y mi hijo que me cuida como si fuera mi padre".
 Definiciones

* Mayor logro: "La transversalidad a nivel social. Partí siendo una cantante de élite: 'La niña bien que canta', pero me saqué eso a punta de esfuerzo".
* Mayor fracaso: "Mi primera participación en la competencia del Festival de Viña de 1968 cuando fui pifiada por razones extramusicales".
* Mayor frustración: "Que algunos medios te consideren más por otras cosas. He salido en portadas cuando me caí de un avión; cuando un perro me mordió la cara; cuando mi hijo se hizo sacerdote, y cuando mi marido murió atragantado por un pedazo de carne".
* Mejor autor chileno: "Buddy Richard, Daniel Guerrero, Chinoy, Nano Stern, Francisca Valenzuela y Mon Laferte".
* Mejor intérprete de su generación: "Ginette Acevedo y Cecilia".
* Mejor intérprete actual: "Gepe es interesante y distinto. Chinoy tiene un sonido muy particular y buenas letras".
* Canción favorita: "'Nuestro tiempo terminó', de mi maestro Luis Advis. Fue, es y por siempre lo será".

AI-MAAKO Octubre 2017







VIERNES 13 OCTUBRE > CONCIERTO INTERNACIONAL [20:00 hrs.]

1. Nicolás Rodríguez (Argentina): "Armonías y soldaduras" (2017).
"Armonías y Soldaduras": Los conceptos que dan nombre a la pieza parten de ideas abstractas,
descubiertas en músicas y obras de grandes compositores como es el caso del maestro José Vicente Asuar.
Además, me nutrí de sensaciones por un pasado no vivido y un presente de recursos sonoros tecnológicos,amplios y disponibles al consumo cotidiano.
Nicolás Rodríguez: Nacido en Buenos Aires, Argentina. Estudiante de la carrera de Composición, del
Conservatorio de Música de Morón “Alberto Ginastera”. Estudió con el compositor y Maestro Jorge Sad.
Varias obras electroacústicas de su autoría participaron de diversos festivales y convocatorias
internacionales como “New York City Electroacoustic Music Festival” (USA 2015), “Soundscape Internacional
Symposium” Italia (Mayo 2015); “Festival Exnihilo”, México (Abril 2015); “Art & Science Days”, Francia (Junio 2015); festival “Zeppelin 2015”, España (Octubre 2015); “Festival Nuevas Músicas por la memoria” IV edición (Argentina 2014); festival “Muslab”, México (Diciembre 2015).
Recientemente su pieza "El viento será eterno" ha recibido el premio Trinac 2016 otorgada por la Fundación Encuentros. Actualmente realiza estudios de Análisis y Composición de la Música Contemporánea con el compositor y Maestro Fernando Maglia y Orquestación e Instrumentación con el profesor Marcelo De Mattaheis.

2. Pedro Torres (Chile): "La vida está llena de pájaros" (2017).
"La vida está llena de pájaros": Adulteración física de "reels" de audio, a través de procesadores de sonido (Clouds MI, Morphagene MN), controlados por voltaje (Maths & Wogglebug MN) y manipulados en tiempo real. Las 4 pistas originales de audio son cantos de pájaros (Blackbird, Tui, Diuca, entre otros).
Además de una última pista con Asuar relatando su fuente de inspiración en los cantos de aves.
El resultado es una emulación de cantos de aves, basado en cantos de aves, sintetizado y texturizado con técnicas de granulación y microsonidos, inspirado en la inspiración de la obra Affaires des Oiseaux de Asuar.
Pedro “Tantrum” Torres aka Pedro the Communist explorador sonoro, orientado a las interpretaciones
transformativas de la sonidos concretos y re-creación de los mismos, a través de experimentos con
procesos de manipulación en tiempo real en archivos de audio digital.

3. Ignacio Salvo (Chile): "Elegía" (2017)
"Elegía": Obra acusmática basada e inspirada en la obra homónima del compositor José Vicente Asuar, a modo de homenaje a su increíble aporte al desarrollo de la electrónica en América Latina. Esta pieza toma como base el comienzo de dicha obra, desarrollándose de una manera mucho más moderna, mezclando sonoridades típicas de los primeros sintetizadores como de los más actuales softwares, siendo así una muestra de los extremos temporales del avance en la composición, desde sus inicios hasta hoy en día.
Ignacio Salvo, nacido en 1995 en Santiago de Chile. Estudia Composición con Edgardo Cantón, Andrés Maupoint y Rolando Cori en la Universidad de Chile, desarrollándose ampliamente tanto en la creación orquestal como electroacústica.
El 2014, en su segundo año como estudiante, recibe el primer premio de composición orquestal de la
Orquesta Sinfónica de Chile, dos años más tarde obtiene el 3er lugar en el Concurso de Composición Luis Advis, categoría música clásica.

4. Luis Martínez (Bolivia): "Estudio espectral" (2016)
"Estudio espectral": Estudio Espectral IV, es la cuarta obra de una serie de estudios inspirados en las
“Variaciones Espectrales” del maestro Asuar. La pieza fue concebida bajo la premisa de “construir” un sistema de síntesis, donde los armónicos de un sonido fundamental puedan ser modificados en sus diversos parámetros (volumen, altura y duración) en tiempo real.
Para esto, el compositor recurrió al software de programación Pure Data, donde todo el sistema fue creado. Una vez en funcionamiento, ciertos parámetros y efectos fueron aleatorizados, mientras que otros fueron manipulados manualmente, generando así una dialéctica entre la precisión y la aleatoriedad.
Luis Carlos Martínez Wilde (1986) es un compositor e investigador boliviano. Desde sus primeros años de formación mostró un particular interés por la electroacústica y las diversas formas de creación que esta rama del arte ofrece.
Desde entonces, el compositor ha experimentado con las más diversas técnicas para la creación de este tipo de obras, desde el circuit bending, la música generativa, música mixta, live electronics, entre otras. Su catálogo incluye además una amplia variedad de obras para diversas conformaciones
instrumentales.

5. Javier Party (Chile): "Extempore I" (2013)
"Extempore I": narra en un lenguaje similar al usado por Asuar en varias de sus obras, un suceso
incomprensible y seductor, utilizando síntesis de audio.
La composición se inspira por una parte en la peculiar sintaxis desarrollada por Asuar en varias de sus obras como las pioneras "Variaciones Espectrales", o su más madura "Amanecer".
Por otra parte, mantener una economía de recursos tímbricos y sostener la obra en un contexto referencial limitado, de abstracción mesurada ha sido una intención clara en el proceso creativo.
Javier Party, compositor e investigador con estudios de composición en Chile y Alemania. La música
electrónica es desde hace años parte esencial de mi trabajo, que abarca un espectro estilístico y estético más amplio. Compuse por ejemplo una ópera electrónica titulada “Im Schattenreich”, que se realizo varias veces en Alemania.
También he realizado obras con live- electronics (incluida la programación de los patches) y otras octofo nicas, así como diferentes instalaciones de parlantes. Soy Fundador y presidente de la Sociedad Internacional por la Música Chilena (SIMUC), domiciliada en Viena, Austria, donde vivo hace ya varios años. www.javierparty.com

VIERNES 13 OCTUBRE > CONCIERTO HOMENAJE A ASUAR [21:15 hrs.]

José Vicente Asuar, pionero de la música electroacústica en Chile y Latinoamérica, realiza sus estudios musicales en Chile y Alemania (1959- 60) donde fue alumno de Boris Blacher y asiste a los cursos de Daarmstadt. También es Ingeniero Civil.

En 1958 funda el primer laboratorio de música electrónica de América Latina en la Universidad Católica de Chile, donde compone “Variaciones Espectrales”, su primera obra electrónica. Luego funda y dirige laboratorios de música electroacústica en Karlsruhe (Alemania, 1960), Caracas
(Venezuela, 1965) y en la Universidad de Chile (1969). En 1978 crea su propio laboratorio personal: el COMDASUAR.

Durante su carrera de músico y técnico de música electroacústica, Asuar compone una gran cantidad de obras principalmente de música electroacústica, y también instrumental, las que han sido editadas en numerosos discos en Chile y el extranjero. Entre otros, es el autor de los discos pedagógicos “El Computador Virtuoso” y “Así Habló el Computador”.
Ha ganado numerosos premios en concursos internacionales de composición electroacústica. Fue profesor de acústica y de electroacústica en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile y fundador de la carrera de Tecnología del Sonido de la misma Facultad.
https://pueblonuevo.cl/bios/asuar/
(Biografía por / Bio by Federico Schumacher |

1. José Vicente Asuar: "Guararia Repano" (1968) - 14:20.
Electrónica sobre soporte / Tape music.
Obra ganadora del 3er. Concurso Internacional de Música Electroacústica de Bourges (1975) / Winner of 3rd. Concours International de Musique
Electroacoustique de Bourges (1975).

2. José Vicente Asuar: "Serenata para mi voz y sonidos sinusoidales" (1961) - 06:42.
Electrónica sobre soporte / Tape music.
Obra inconclusa descatalogada por el autor. Compuesta en el estudio de la Technische Horschule en Karlsruhe, Alemania / Unfinished piece, labeled “outof-catalog” by the composer. Composed at Technische Horschule Studio, Karlsruhe, Germany.

3. José Vicente Asuar: "Divertimento" (1967) - 07:04.
Electrónica sobre soporte / Tape music.
Primer Premio en el concurso internacional de música electrónica y de computadores auspiciado por el Darthmouth Arts Council. EE.UU. La obra forma parte de “Imagen de Caracas” / First Prize at International Electronic and Computer Music Contest, sponsored by Darthmouth Arts Council, USA. Part of “Imagen de Caracas”.

4. José Vicente Asuar: "Affaires des Oiseaux" (1976) - 12:02.
Electrónica sobre soporte / Tape music.
Encargo del Groupe de Musique Electroacoustique de Bourges GMEB / Commissioned by Groupe de Musique Electroacoustique de Bourges GMEB.

SÁBADO 14 OCTUBRE > CONCIERTO COMUNIDAD ELECTROACÚSTICA DE CHILE [20:00 hrs.]
- - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - [ PRIMERA PARTE ] - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - -

1. Alejandro Albornoz (Chile): "Sheffield 17" (2017)
“Sheffield 17” (Duración: 7:11 min). En 1971 José Vicente Asuar compone “Buffalo 71”, durante su residencia en Estados Unidos. En 1978 crea sucomputador, el COMDASUAR, y edita el disco “Así hablo el computador” en 1979.
En 2006, compuse un pieza para ti, José, titulada “A SU Árbol Retorno” y que tuve la suerte de estrenar contigo en el concierto.
La presente obra contiene samples de tu voz tomados del disco “Así hablo el computador”, de “A SU Árbol Retorno” y de “Buffalo 71” (estos últimos resecuenciadosen vivo), combinados con materiales generados en una sesión de improvisación de Live coding con el entorno TidalCycles. Todos estos
materiales fueron compuestos finalmente de manera acusmática. Querido José, esta pieza es para ti con todo mi afecto y dedicación.
Alejandro Albornoz: Compositor y artista sonoro. Estudio composición electroacústica con Federico
Schumacher y Rodrigo Sigal. Trabaja en acusmática y live electronics desde 2004. Ha participado en
prestigiosos festivales como “Synthe se” (Bourges, Francia), las JIEM (Madrid) y Sonoima genes (Buenos Aires), Sound Junction (Sheffield) y Semaine Internationale de la Musique Electroacoustique (Lille, Francia).
Es miembro de la Comunidad Electroacústica de Chile y de la Red de Arte Sonoro Latinoamericano.
Compone regularmente para danza y teatro. Ha producido diversos conciertos, encuentros y charlas y
publicaciones, destacando el Festival Internacional de Música Electroacústica Ai-maako y colecciones de música electroacústica chilena. Actualmente es candidato a Doctor (PhD) en Electroacoustic Composition en el Departamento de Música de la Universidad de Sheffield, Reino Unido, bajo la supervisión de Adam Stanović y Adrian Moore.
https://alejandroalbornoz.wordpress.com
https://pueblonuevo.cl/bios/alejandro-albornoz/

2. Marcelo Espíndola (Chile): "Puertas Adentro" (2010)
Esta obra está compuesta a partir de todos los sonidos de las puertas de mi casa, tanto las puertas de cada pieza como la de la entrada así como puertasde algunos muebles, de la misma forma hay golpes grabados en algunas de las puertas, como también una muestra de una puerta sacada de un disco del
grupo Congreso. El título está tomado de la forma en que se les llama a veces al trabajo de mujeres en casa particulares, las cuales al dormir en la casa enque trabajan, que no es su casa, trabajan puertas adentro.
Marcelo Espíndola Sandoval: Percusionista titulado en el Instituto de Música de Universidad Católica de Chile y en el año 2015 obtiene tu grado de Magister en Artes. Como percusionista ha participado en diversas agrupaciones musicales, pasando desde la orquesta clásica, la música contemporánea y música popular-
Desde 1996 hasta hoy, integra la banda de música soul "Matahari", con los cuales ha editado tres discos: “Deja el cuerpo” premio Altazor 2003, “Matahari acústico” y “No Pares”. Integró el Grupo de Percusión de la Universidad Católica entre los años 1991-2006. Donde participo en la edición de los disco “Música chilena para percusión” volumen I y II, tanto como intérprete compositor y productor. También fue parte de la orquesta sinfónica juvenil entre los años, 1992 y 1993. Desde el año 2004, participa en la comunidad electro acústica de chile, CECH, con quienes realiza y produce el Festival Internacional de Música electroacústica Ai-maako.
A compuesto la música para diversas agrupaciones de música popular o docta, obras de teatro y cine. Su música se interpreta tanto en Chile como en el extranjero. En el año 2001 y 2003 es premiado en el concurso “Música de este lado del sur”, organizado por al SCD, con las canciones “Despierto en un silencio” y “Volando el cielo” ambas editadas por el sello azul. En la actualidad su labor docente se desarrolla en el Instituto de Música de la Universidad Católica de Chile, en la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación, UMCE, y profesor en la escuela de sonido instituto profesional de Chile, IPCHILE .

3. Emilio Adasme (Chile): "Rastreados" (2017)
"Rastreados" (2017): La obra fue construida en base a uno de los sonidos que aparecen en la obra “Amanecer”, compuesta por José Vicente Asuar en 1977. A modo de homenaje, este pasaje sonoro fue re-interpretado y re-estructurado en base a nuevas técnicas de composición electroacústicas que no existían en la época de Asuar. Así, esta obra se convierte en un diálogo entre el pasado de la música electrónica chilena y las nuevas tendencias y/o sonoridades resultantes de la nueva relación entre humano y electrónica.
Emilio Adasme (Chile, 1994): Egresado de licenciatura en música mención musicología y estudiante de composición de la PUC. Estudió música electroacústica con Cristian Morales-Ossio, con quién desarrolló su primera obra electroacústica. El año 2015 editó su primer disco de música noise experimental bajo el alias "Yoghurt For Breakfast", proyecto que ha sido difundido en diversas radios on-line y netlabels en países como Chile, Bélgica y Estados Unidos. A mediados del 2015 compuso la música y colaboró en la instalación de "Fuentes Alternas" para la bienal de artes mediales de Santiago en conjunto con un equipo de diseñadores y artistas uruguayos liderados por Martín Craciun. El año 2016 se integra al ensamble de guitarras eléctricas "Electro Copiú Ensamble", en el que se interpretan obras compuestas especialmente para este grupo elaboradas en los talleres de composición Copiú.
Se ha presentado y colaborado en la organización de la micro feria de arte sonoro Café Con Cables Sus obras han sido ejecutadas en la Universidad Católica, Universidad Mayor, espacio Matta y en conciertos auto gestionados. El año 2017 se integra a la Comunidad electroacústica de Chile.

4. Mika Martini (Chile) + Iñaki Muñoz (Chile): "Variaciones sobre pájaros" / Live electronics + Visuales (2017)
"Variaciones sobre pájaros" (Duración: 10:00 min). Improvisación audiovisual en tiempo real a partir de la pieza "Affaires des Oiseaux" (Asuntos de los Pájaros), del compositor José Vicente Asuar. A nivel sonoro, Martini utiliza el sintetizador caótico BlippoBox para generar gestos sonoros que imitan cantos, gorjeos y trinos, los cuales se van sumando y reiterando hasta componer un paisaje sintético-natural. Estos gestos sonoros son graficados con imágenes en movimiento por Iñaki Muñoz, mediante el uso de softwares audioreactivos, generando secuencias multicapa que también van conformando un universo o ecosistema imaginario.
Mika Martini: Comienza su carrera solista a comienzos del 2002, mezclando música minimal con
grabaciones de poblaciones étnicas y materiales sonoros abstractos, utilizando la técnica del microsampling.
Posteriormente, siendo parte de la Comunidad Electroacústica de Chile (CECh), recibe diversas
influencias e ideas, enfocando su trabajo hacia caminos más experimentales.
El año 2005 co-funda el netlabel Pueblo Nuevo, plataforma de difusión con más de 10 años de
funcionamiento ininterrumpidos, la cual se ha convertido en un activo promotor tanto de su propia obra musical como la de muchos autores chilenos y extranjeros.
Como Mika Martini ha presentado su música en México durante el año 2007, auspiciado por la DIRAC, en una gira junto a Danieto y Alisu por las ciudades de México DF, Morelia, Guadalajara, Tijuana y Mexicali. En 2009 participa como único representante de Chile en el “Segundo Festival Dialectos Digitales” de La Paz, Bolivia.
En octubre de ese mismo año presenta el espectáculo audiovisual “Los Hanoish y otras subculturas extintas”, en el concierto “Noche Blanca” del IX Festival de Música Electroacústica de Santiago Ai-Maako 2009. El 2013 participa como invitado en la ceremonia de premiación de los “Qwartz Awards” a la música electrónica en Paris, Francia. Además, se ha presentado en diversos escenarios, festivales y centros culturales de Perú, Argentina, Brasil, Alemania y España.
http://www.pueblonuevo.cl/mika.htm
http://www.soundcloud.com/mikamartini

Iñaki Muñoz, artista visual & sonoro. Incansable investigador y ejecutor de los lenguajes del dibujo, pintura, collage, intervención, video, música y textos en proyectos individuales y colectivos. Creador de Ahorcarte, lugar donde habita toda la flora y fauna creacional del universo de Iñaki Muñoz que emerge día a día. El año 2006 recibe el premio, “Beca para artistas desconocidos en la ciudad de Drammen, Noruega” en la casa de la cultura Victoria Kulturhus. Ha expuesto su obra visual en Chile y en países como Francia, España, Noruega, USA, México, Italia, Alemania. Su multiplicidad creativa abarca también campañas artísticas, para marcas como: Sony, Mall Plaza, Viña Castillo de Molina y Mystery Land.
Expositor en el festival FOBIA (Formula Básica Imagen Audio) en el año 2008 y 2010 con el proyecto Universo Error de Ahorcarte, y en el año 2012 con el Proyecto La Bella Violencia. Festival organizado por Jacobino discos y la Productora Mutante. Participa en el compilado Dilema en Serie, del colectivo Dilema
Industria, con el proyecto Terciopelo de Esquizoofrenia, que está conformado por Geoslide & Iñaki. 2009.
Como creador sonoro participa en compilados realizados por el sello Jacobino Discos, FESTIVAL FOBIA, La Voz, Aukin Mapuche. Sello por el cual edita su primer disco, a través del proyecto Universo Error de Ahorcarte, “Observatorio / Colmillos / Garras / Caparazones / Pelaje / Manchas / Trinchera y Melancolía” (2011).
En junio del 2017 se presentó en el Concierto Exploradores del Sonido V, realizado en el Centro Cultural Rector Ricardo Rojas de la ciudad de Buenos Aires, como parte del ciclo “Interactive” organizado por Festivales Fuga. En el evento compartió escenario con destacados exponentes de la música experimental chilena (Mika Martini y su proyecto Frank Benkho) y argentina (Pablo Reche, Telescuela Técnica).
https://inakimunozuniverso.com
https://pueblonuevo.cl/bios/la-bella-violencia/

- - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - [ SEGUNDA PARTE ] - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - -

5. Pablo Godoy (Chile): "Música para pequeño ensamble de instrumentos electrónicos DIY" / Live electronics (2017)
“Música para pequeño ensamble de instrumentos electrónicos DIY” (Duración 8:00 min). Siguiendo el legado de don José Vicente Asuar es que construimos este grupo de instrumentos electrónicos tanto digitales como análogos para rendirle un homenaje a nuestra manera.
Intérpretes:
Javiera Besoain
Cesar Serrano
Daniel Alvarado
Marcelo Videla
Camila Cid
Francisco Riquelme.
Dirección: Omar Lizama.
Pablo Godoy Frez (1984):
Bachiller en artes musicales, compositor musical, egresado del programa de post título en música electrónica de la Universidad de Chile.
Desde el año 2016 es miembro de la comunidad electroacústica de chile y parte del equipo de producción del festival internacional AI-MAAKO y Noche Blanca.
Sus obras e intervenciones musicales han sido estrenadas en el Centro Cultural Espacio Matta, Centro
Cultural Gabriela mistral (GAM), Instituto ARCOS, Escuela de música Projazz, sala Isidora Zegers
(Universidad de chile), Sala América (Biblioteca Nacional), Centro de Creación Infante 1415, CCE y MAC parque forestal.

6. Renzo Filinich (Perú / Chile): "A tu Memoria" (2017)
"A tu memoria" (Duración: 10:06 min). Obra octofónica en homenaje a José Vicente Asuar, en la que se hace uso de distintas técnicas de síntesis digital, y procesos de obras de la década del 70 del maestro.
Renzo Filinich Orozco (Lima 1978): Licenciado de ingeniería en sonido y compositor de música
electroacústica. Interesado en la aplicación de nuevas tecnologías en la música para desarrollar nuevos formas de escucha a nivel interactivo y campos cognitivos y la representación espacial del sonido, a través del uso de interfaces gestuales de control de sonido y performance, utilizando el concepto de maleabilidad con el espacio.
En sus trabajos ha abordado diferentes aspectos del lenguaje sonoro y nuevos medios como improvisación libre, obras de cámara e instalaciones vinculadas al arte sonoro.
Sus obras e investigaciones en el campo, se han presentando en numerosos festivales internacionales tales como: Sonología 16 Sao Paulo - Brasil 2016, Días de Música Electroacústica en Portugal en 2015, In Vivo Electro IRCAM manifest con Robert Henke - París 2014, Foro Acusmático Hope University - Liverpool 2013, Mixtur Festival - Barcelona, 2013 Ai-Maako 2010 -2016 - Santiago de Chile, Festival de Arte sonoro de Valparaíso Tsonami 2007-2011.
http://renzofilinich.orgfree.com/
http://vimeo.com/user11708435

7. Ricardo Tapia (Chile): "Adanot" / Live electronics (2017)
"Adanot" (2017): Cuando supe la muerte de Asuar sin querer dentro del Live que iba a presentar en la noche blanca con GMS/FBW, tenía pensado ocupar un fragmento de una obra llamada Tonada que salió en su disco "Música Electrónica" (1975, Philips), quedo como homenaje en "1 Min de silencio". De allí ocupando dicha pieza musical Live tras Live, experimentos tras experimentos fui tomando fragmentos para crear la base que se ocupa para el Live (aunque a la vez hice una que puede ser acusmática) y cree un mapa en donde dividí la obra (solo para el Live) en 2 partes, la primera es obras electrónicas ocupadas como ejemplos y la segunda obras electrónicas consideradas más electroacústica.
Seiten Wall (Ricardo Tapia), Músico y compositor titulado del Instituto Profesional Arcos.
Integrante de las agrupaciones experimentales GMS/FBW (Con Gerardo Figueroa y Martin Benavides) y Una Banda (con varios artistas desconocidos y no tanto).
Integrante de la CECh (y parte del equipo que arma el festival Ai-maako) desde el 2016.
Actualmente vendo discos (vinilos, cd, etc.) por internet, mis proyectos musicales y algunas cosas varias.
Más datos en:
https://seitenwall.bandcamp.com
https://www.facebook.com/1G2M3S4F5B6W
https://www.facebook.com/UnnaBanda/

8. José Miguel Candela (Chile): "Islas Temporales - Asuntos del Alma (a José Vicente Asuar)" (2017)
Islas Temporales - Asuntos del Alma (a José Vicente Asuar): Esta pieza acusmática fue creada en 2017, y tiene en el Festival Ai-maako su estreno absoluto. Fue compuesta en base a sonidos provenientes de "Affaires de Oisseaux" del compositor chileno José Vicente Asuar (a quién la obra rinde homenaje), y del proyecto "Sonidos del Alma" ("iniciativa que busca interpretar y decodificar las frecuencias del Universo transformándolas en sonidos", más información en http://www.sonidosdealma.org/). La obra, de duración indeterminada, combina en tiempo real cuatro micropiezas (cuatro "islas temporales") de manera azarosa, decidiendo además el tiempo de articulación entre estas. Esta combinatoria permite un total de 3.993.000 posibles versiones de la obra. Las “islas temporales” llevan el nombre y se apropian libremente de las características de las cuatro Variaciones Espectrales de Asuar: Acordal – Línea – Evocativa – Obsesiv.
José Miguel Candela nació en Santiago de Chile en 1968. Es Licenciado en Música de la Universidad de Chile, y tiene un Magister en Artes con Mención en Música de la Pontificia Universidad Católica de Chile.
Estudió en diversos cursos de composición y análisis con el maestro Gustavo Becerra-Schmidt, a quien considera su formador.
Como compositor ha realizado obras para cine, teatro, y muy especialmente para danza contemporánea (Chacabuco, Hombres en Círculo, Carne de Cañón, Magnificar, Tótem, El Color del Cuerpo, etc.). También ha compuesto obras no funcionales, destacándose en el área de la música electroacústica.
En 2000 es premiado con la beca Fundación Andes para componer su proyecto “Cuatro movimientos
sinfónicos de carácter indigenista”, de los cuales uno, “Machaq Mara (dedicado a la cultura aymara)”, es seleccionado y estrenado en el año 2002 por la Orquesta Sinfónica de Chile. En 2003, gracias a la beca UNESCO- ASCHBERG, realizó una residencia en el Virginia Center for Creative Arts (EE.UU.). En 2007, gracias a una beca otorgada por el Ministerio de Cultura Español, realiza una residencia en el LIEM – CDMC
(Madrid, España). En 2013 gana la beca IBERMUSICAS, con la que realiza una residencia creativa durante febrero y marzo de 2014 en el Centro
Mexicano para la Música y las Artes Sonoras CMMAS, Morelia, México. En esta residencia compone Stretto Leporello / Hikuri Neirra – a Rodrigo Sigal.
Ha editado hasta la fecha 2 cds-obras: “TTK – 81 micropiezas para saxofón y electroacústica” con Miguel Villafruela (2008), y “Ciclo Electroacústico
Salvador Allende Gossens” (2009). Su música se ha tocado en Chile y en diversas partes de América y Europa, y ha sido editada en varios cds compilatorios tanto en Chile como en el extranjero. Participó por 13 años en el grupo de rock experimental “Cangrejo”, banda que fundó junto a otros
músicos en 1992, y por 5 años del grupo de rock-protesta “Desde Otro Siglo”, banda que fundara el 2010.
Fue coordinador de la Comunidad Electroacústica de Chile, organización que fundara junto a otros compositores en el año 2002. Fue fundador y organizador durante 6 años del Festival Internacional de Música Electroacústica de Santiago de Chile, “Ai-maako”.
Actualmente se desempeña como académico en el Departamento de Danza de la Universidad de Chile.
http://candelajm.blogspot.com/
https://pueblonuevo.cl/bios/candela/

9. Residencia Ai-Maako: "Obra colectiva" (2017)
Obra resultante de la residencia de colaboración creativa de objetos sonoros en el marco de Festival Ai-Maako, producida por la Comunidad Electroacústica de Chile. La residencia estuvo organizada en 3 sesiones, más una sesión introductoria el primer día. En estas sesiones los participantes adquirieon las competencias para desarrollar una micropieza acusmática de su propia inventiva, en base a sonidos grabados por ellos mismos, y posteriormente mezclados y masterizados.

miércoles, octubre 11, 2017

Sindicato Técnico del Teatro Municipal de Santiago inicia huelga

El Mercurio

"Es el único sindicato de los siete existentes que no ha aceptado la oferta entregada por el teatro, hecha en los mismos términos para todos ellos", afirma el director ejecutivo del Municipal de Santiago, Frédéric Chambert, ante el inminente inicio de la huelga por parte del Sindicato Técnico del coliseo. La huelga votada se iniciaría hoy a las 9:30 de la mañana. Se trata de una agrupación escindida del sindicato técnico original y que lo conforman 90 trabajadores encargados de los trabajos de tramoya en el escenario. A pesar de ello, Chambert es enfático en afirmar que las funciones del último título de la temporada lírica, "Lady Macbeth de Mtsensk", de Shostakovich, que se inician mañana jueves, "no se suspenden. Vamos a sacar adelante las funciones aunque sea en versión semiescénica, para lo cual ya estamos trabajando con el director de escena, Marcelo Lombardero".

Por su parte, el alcalde de Santiago, Felipe Alessandri, presidente de la Corporación Cultural del Teatro Municipal, afirmó: "hemos sido claros con este único sindicato. Sería irresponsable acceder a lo solicitado por ellos. El Directorio que encabezo hace una administración responsable del mismo y así hemos sellado acuerdos con el resto de los sindicatos del teatro. Ya el ofrecimiento es un gran esfuerzo para el teatro; le he puesto metas al director ejecutivo. Vamos a sanear las finanzas y darle una gestión financiera que le dé viabilidad", concluyó el jefe edilicio.

Por su parte, Emelyn Valenzuela, presidenta del Sindicato Técnico del teatro, considera que "este proceso es la única instancia que tenemos de hablar con el teatro de otros temas laborales, no solo del 1,1 por ciento de reajuste que nos ofrecieron". No hay fecha de término de la huelga, "la idea es que las negociaciones continúen todo este tiempo y esperamos que así sea".

Chambert afirma que el 1,1 por ciento de reajuste es solo un promedio general, puesto que de acuerdo al sistema de bonos que favorece a los sueldos más bajos, "el 90 por ciento de los integrantes de este sindicato obtendría un 2,5 por ciento real por sobre el IPC". El director ejecutivo concluye que las conversaciones no siguen.

Emir Kusturica trae a Santiago su fiesta gitana

El Mercurio

El músico y afamado director de cine se presentará el 16 de noviembre en el Teatro Caupolicán junto a la No Smoking Orchestra, en la antesala de su nuevo lanzamiento discográfico: "Diplomatic".  

Por José Vásquez 

Guarda la claqueta y le sube el volumen a la música. La vida de Emir Kusturica, el director de "Underground" y "Gato negro, gato blanco" transita entre el cine y los conciertos, una duplicidad de funciones que en las próximas semanas lo tendrá envuelto en el plan de liderar otra vez su banda, la No Smoking Orchestra, con la que regresará a Sudamérica.

El artista serbio se presentará el 16 de noviembre en el Teatro Caupolicán con la misión de transformar una vez más el recinto en una fiesta gitana. Kusturica llegará esta vez en plan promocional del nuevo material del conjunto que está próximo a lanzar después de una década sin publicar un álbum original. Un trabajo del que ya ha mostrado algunos adelantos y que incluye por primera vez un tema en español, "Cerveza", influenciado por sus ya recurrentes visitas al continente. El disco llevaría por título "Diplomatic".

El viaje incluye también dos presentaciones en Brasil, primero en Río de Janeiro y luego en Olinda, donde será parte del Mimo Festival, un espectáculo que une la poesía y el cine.

Las entradas para el concierto en la capital están a la venta desde hoy a través de Ticketek, con valores que van desde los $12.000 a los $38.000 más el cargo por servicio.


martes, octubre 10, 2017

Frontera se completa con nuevo proyecto de Ana Tijoux

El Mercurio

Anita Dinamita, Morat, Nach y Mos Def se suman al festival que se realizará el 26 de noviembre en el Hipódromo Chile. 

El cartel de artistas de la próxima edición del festival Frontera se amplió. A los ya confirmados Chico Trujillo, Lanza Internacional -el nuevo grupo de los hermanos Francisco y Mauricio Durán, ex Los Bunkers- y Bad Bunny, entre otros, se suman cuatro nombres que llegan a reforzar el evento que se realizará el próximo 26 de noviembre en el Hipódromo Chile.

El hip hop toma protagonismo con los versos políticos del español Nach y Mos Def, el rapero estadounidense que vuelve bajo el concepto de su dilatada gira de despedida. A ellos se une Ana Tijoux, quien ya era parte del listado de artistas, pero que ahora anuncia una participación doble, agregando al espectáculo su reciente proyecto Anita Dinamita, donde comparte escenario con Hordatoj, su socio productor, y Foex. Se trata de una nueva propuesta de la versátil MC, que ya había sorprendido el año pasado con Roja y Negro, a ritmo de boleros, valses, tangos y tonadas.

Cierra este último anuncio de artistas para el evento, el pop de aires folk de los colombianos de Morat, que vienen a presentar su álbum debut, "Sobre el amor y sus efectos secundarios".

Los músicos chilenos que buscan dar el salto en Lollapalooza

El Mercurio

Son bandas emergentes, proyectos nuevos o artistas de nicho y todos coincidirán en la próxima edición del festival -entre el 16 y el 18 de marzo próximo- con la posibilidad de llevar sus propuestas a otro nivel.  

Por RAIMUNDO FLORES  

Tumu Tapu: sonido rapanuí
El reggae y la cultura Rapa Nui llegarán a Lollapalooza, de la mano de Tumu Tapu. El grupo de la Isla de Pascua se caracteriza por letras que hacen referencia a la cultura polinésica y al cuidado del medio ambiente, mezclando el idioma rapanuí con el español, francés e inglés.
La participación de Tumu Tapu significa un espacio poco recurrente de la cultura pascuense en este tipo de espectáculos y la banda lo sabe. "Poder estar ahí y compartir nuestra música y nuestra cultura en un escenario tan importante ha sido una gran noticia". Además, tienen esperanzas en que la presentación en este festival les ayude a romper las barreras geográficas: "Ojalá esta sea una puerta para salir a nuevos escenarios en Chile y quizá también en el extranjero".

Rubio: música letra por letra
Francisca Straube ya se presentó en otras ediciones de Lollapalooza como miembro de Fármacos y Miss Garrison. Esta vez llega con su proyecto solista y el más ambicioso de su carrera: Rubio. Durante este año, Straube se ha mantenido activa publicando hasta la fecha dos EP, "R" y "U", los cuales completarán una serie con otros tres títulos próximos a estrenarse: "B", "I" y "O". Una fuerte preocupación por el ámbito visual completa la propuesta de Straube y le da valor a su puesta en escena, que en Lollapalooza tendrá la opción de mostrar todo su potencial. "Voy a armar un show con un cuarteto de cuerdas. Es un desafío para mí incluir cuerdas reales con lo electrónico. En mi cabeza me imagino un show muy lindo y espero poder desarrollarlo".

Jordan Ferrer: apostando al exterior
Es una de las grandes promesas de la música electrónica nacional. Con solo 22 años, este DJ viñamarino ya ha colado su nombre en festivales dentro y fuera del país, aunque siempre en eventos de nicho. En Lollapalooza tendrá la posibilidad de llegar a un público más amplio, al que buscará llamar la atención con un show que promete será "único y especial". "Es una bonita oportunidad para mostrar mi música a una masa más grande y espero sorprenderlos, al final, lo que abre puertas es el buen trabajo", dice. Actualmente, está enfocado en internacionalizar su carrera, trabajando en darles más regularidad a sus lanzamientos y contar con el apoyo de DJ de otros países, que le ayuden a expandir sus redes.

Fuglar: punto de partida
La propuesta de Fuglar lleva 10 años evolucionando. Con comienzos en la pachanga, y un paso por el rock, hoy la banda tantea terreno en el pop indie . "Queríamos emular un sonido coreable, que la gente pueda saltar y aplaudir. Sentíamos que eso no se hacía tanto en Chile", dice Jorge Blanco, vocalista de la banda. Considerando las intenciones del grupo, Lollapalooza parece ser el escenario ideal para expandir su público y comenzar a darle a su música el complemento que ellos mismos soñaron. "Para nosotros, aquí parte la cosa de verdad, lo vemos como un punto de partida para nuestra carrera", sentencia Christian Golborne (primero de izquierda a derecha), tecladista de Fuglar, quien además es hijo del ex ministro de Minería de Sebastián Piñera.

Ceaese: autogestión y perseverancia
Lleva 15 años de carrera en el mundo del hip hop, aunque siempre con un componente experimental que hoy lo tiene como uno de los precursores chilenos del trap, el ritmo de moda por estos días. Su presencia en el festival puede interpretarse como un premio a la trayectoria, pero también como el comienzo de una nueva etapa en su carrera. "Encontrarme hoy en el cartel de Lollapalooza es algo que llena mi corazón y me proyecta a un escenario internacional. Estoy bien emocionado por todo lo que podría llegar a generar mi participación", admite Ceaese, quien promete una presentación "única e innovadora".

Hoy, presidenciables hablarán de cultura

A partir de las 19:00 horas, convocados por el OPC.
Los candidatos  Alejandro Guillier, Beatriz Sánchez, Carolina Goic y Marco Enríquez-Ominami -Sebastián Piñera y José Antonio Kast se excusaron- se reunirán hoy en el GAM para hablar de temas como la eliminación del IVA al libro y el arte en la reforma educacional. Pero, además, deberán responder las preguntas del público y las que surgieron a través de encuestas hechas por los organizadores (el Observatorio de Políticas Culturales, OPC, y el GAM, entre otros). Para asistir al debate hay que escribir a comunicaciones@observatoriopoliticasculturales.cl.

Regresa "Lady Macbeth de Mtsensk": Una ópera de sangre y carne

El Mercurio

Tras su estreno en 2009, la ópera de Shostakovich volverá desde el 12 de octubre al Municipal de Santiago, con régie del argentino Marcelo Lombardero.  

Por Maureen Lennon Zaninovic 

Telón de hierro, ventilador omnipresente, tormentas de arena en el desierto siberiano, coro de carniceros, una impactante orquesta de bronces sobre los laterales del proscenio y la proyección de filmaciones fueron algunos de los elementos innovadores utilizados en la ovacionada producción de Marcelo Lombardero para el estreno en Chile de "Lady Macbeth de Mtsensk", de Shostakovich, en 2009 en el Municipal de Santiago.

El crítico Andrés Yaksic escribió en este diario -a propósito del debut en el coliseo de Agustinas- que la transposición de la trama a la era soviética "fue un acierto al reflejar el utilitarismo y la opresión que finalmente llevan a la protagonista al suicidio". Y remató con que: "Esta producción es una de las más altas cumbres entre los logros del Teatro Municipal".

Ocho años después, el elogiado montaje regresa al escenario capitalino, nuevamente con régie de Lombardero, quien comenta el impacto internacional de su propuesta. "Ha tenido un éxito increíble. Después de Chile se presentó en el Teatro Argentino de la Plata, en el Principado de Mónaco (Montecarlo) y en Polonia, donde fue considerada la mejor producción del 2011. Esta 'Lady Macbeth' tiene vida y la va a seguir teniendo".

Un acto revolucionario

El régisseur argentino adelanta que su puesta en escena no ofrecerá mayores cambios. "Salvo el elenco, el montaje de 2009 se mantiene prácticamente intacto. Hay pequeños movimientos que he cambiado, pero estamos hablando de sutilezas".

El profesional también se explaya sobre su lectura de la historia. A su juicio, estamos ante una trama oscura, "que sigue impactando, porque la ópera habla de una mujer en Rusia, en la primera mitad del siglo XIX. Una mujer sojuzgada por un entorno hostil misógino y donde la única liberación que tiene es la violencia. Esta Lady Macbeth no tiene nada que ver con el clásico de Shakespeare, solo las une a estos dos personajes femeninos el hecho de que ambas son asesinas. No hay una búsqueda del poder en la obra de Shostakovich, sino una de liberación y de amor. Yo defiendo a Katerina, primero, porque me gusta el género femenino, y también por que ella, en alguna medida, es víctima del entorno y su crimen termina convirtiéndose en un hecho revolucionario".

Tal como lo advierte el director de escena, su propuesta trasladó la acción original ambientada en la rusia zarista (mediados del siglo XIX), "a otro año del siglo XX, en algún lugar que bien podría ser un país del Este o la provincia de Buenos Aires. Traer la ópera a una época más actual me permite no caer en un pintoresquismo peligroso y contar esta historia de carne y sangre con un mayor hiperrealismo".

Marcelo Lombardero también destaca otros alcances que tuvo esta producción, tras su estreno hace ocho años. "Esta 'Lady Macbeth' abrió las puertas en el Municipal para que llegaran otros títulos importantes del siglo XX, entre otros 'The Rake's Progress', de Stravinsky, y 'Auge y caída de la ciudad de Mahagonny', de Bertolt Brecht".

Para las presentaciones del Municipal, la Orquesta Filarmónica será dirigida por Konstantin Chudovsky y Pedro-Pablo Prudencio.

PROGRAMARSE

Desde este jueves hasta el 19 de octubre, a las 19:00 horas. Entradas a partir de $8.000. Más información sobre valores en Municipal.cl.

Rescatan histórica cinta protagonizada por Claudio Arrau

El Mercurio

Se trata de "Sueño de amor", dirigida por José Bohr. Es la filmación más antigua que se conoce del pianista y fue restaurada por la Cineteca de la Universidad de Chile.  

Por Maureen Lennon Zaninovic 

En la década de los 30, el legendario pianista Claudio Arrau (1903-1991) y el cineasta José Bohr (1901-1994) juntaron sus talentos en un original proyecto cinematográfico. Tomando como motivo central la vida del compositor Franz Liszt, dieron forma a "Sueño de amor", una de las primeras películas sonoras realizadas en Latinoamérica.

La cinta estuvo desaparecida, hasta que, afortunadamente, los materiales fueron encontrados en México por el académico y coordinador de la Cineteca de la Universidad de Chile, Luis Horta. Y él se encargó de dirigir el proyecto de restauración en conjunto con la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), sumando el financiamiento del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes. Entre hallazgo y rescate, pasaron más de nueve años, y luego de ser restaurados los originales en 16 mm, se realizó la remasterización de imagen y sonido.

"Estuve, en 2008, haciendo una pasantía y ahí partí este proceso de investigación, buscando indicios de esta película que se creía perdida. En rigor esta cinta estaba en una suerte de limbo. Si bien se filmó en México, fue rodada por profesionales chilenos, porque en la década del 30 nuestro país no contaba con la tecnología necesaria para producir este tipo de filmes sonoros. Finalmente hallé la única copia disponible, gracias un trabajo conjunto con profesionales de la UNAM", revela Horta, a través de un contacto telefónico desde Ciudad de México. El coordinador de la Cineteca de la U. de Chile añade que "Sueño de amor" se estrenó en salas chilenas a finales de septiembre de 1935, "causando gran impacto por la presencia de Arrau, que ya a sus 32 años era considerado una estrella de relevancia mundial. La película constituye un hito valioso al tratarse de la filmación más antigua en que aparece el pianista".

El mejor intérprete de Liszt

Luis Horta comenta que tras producir una serie de exitosos largometrajes, "José Bohr toma los dineros que había podido recaudar y los invierte en una película de carácter más bien artístico y autoral, coincidiendo con la visita de Claudio Arrau a Ciudad de México. Él le solicita al pianista encarnar a Liszt, porque sabía que había sido alumno de Martin Krause, uno de los últimos discípulos del compositor austro-húngaro. Además, en esa época, internacionalmente ya se consideraba a Arrau como el mejor intérprete de la música de Liszt. De esta forma el pianista protagonizó esta cinta, que es una suerte de opereta mezclada con melodrama".

El coordinador de la Cineteca de la U. de Chile también destaca el carácter pionero de "Sueño de amor". A su juicio, "este filme es contemporáneo a 'La mujer del puerto' y 'Allá en el Rancho Grande', películas emblemáticas del cine sonoro mexicano. Y también dialoga con las primeras cintas de Libertad Lamarque en Argentina o con las filmaciones iniciales de Carlos Gardel. Estamos ante los comienzos del cine sonoro en Latinoamérica y 'Sueño de amor' es un eslabón perdido de ese tipo de obras del período. Ahí radica valor historiográfico".

Horta puntualiza que en 2016 -en conjunto con la Fundación Séptimo Arte- también restauraron "El Gran Circo Chamorro", una de las más populares cintas de Bohr, cineasta nacido en Alemania, pero con una destacada trayectoria en Chile. "Con 'Sueño de amor' seguimos aportando a la puesta en valor de la obra de este gran realizador", dice el profesional.

La película tendrá su reestreno mundial este jueves 12, en el marco de la edición 24 del Festival Internacional de Cine de Valdivia. Posteriormente se exhibirá en el Festival de Cine Recobrado de Valparaíso, y en Santiago, en la Sala Sazié de la Universidad de Chile.

La música japonesa desembarca con fuerza en Chile

El Mercurio

De la mano del éxito de sus pares coreanos, una multitud de bandas niponas se abre un espacio en la escena artística nacional.  

Por Patricio Zenklussen Franco 

Si hace un tiempo el fenómeno musical juvenil era el pop proveniente de Corea -conocido popularmente como K-pop-, ahora su origen cruzó el mar para llegar a Japón. Aunque los artistas surcoreanos siguen haciéndose presentes con fuerza en la cartelera del país, la presencia de agrupaciones y solistas japoneses registra un aumento importante.

Esta tendencia evidencia la cercanía cultural que han tenido Chile y Japón desde hace ya varios años. Los recitales son uno de los últimos eventos en ganar fuerza, detrás de ferias y convenciones como la Animé Expo, que se realiza desde 2002.

Jesús Diamantino, académico de la Universidad Adolfo Ibáñez, dicta cursos dedicados a animación y cultura japonesa. A su juicio, esta afinidad nace a partir de la receptividad del público chileno: "En Latinoamérica asimilamos productos culturales foráneos como parte de nuestra dinámica cotidiana, y Chile es uno de los países con mejor recepción en este ámbito"."El vestuario y ciertos clichés de personajes japoneses resultan sumamente atractivos", agrega.

La "Super Japan Expo", evento que tuvo lugar este fin de semana en el Movistar Arena, contó con las actuaciones de Anna Tsuchiya y VAMPS, grandes exponentes del J-rock (rock japonés). Además, se desarrolló un concierto de V ocaloid , mezcla de música y tecnología en la que un personaje animado en una pantalla gigante situada en el escenario interpreta canciones compuestas a través de software .

La variedad de estilos es una característica central de este fenómeno: en un extremo se puede encontrar a bandas como Versailles, intérpretes de metal sinfónico con una fuerte estética gótica, que visitaron el país en septiembre; y en otro, Monoral, dúo de rock alternativo con un sonido cercano al grunge que actuó el sábado pasado. Nobuo Yamada, que estuvo en abril, reproduce las canciones de apertura de series como "Caballeros del Zodíaco"; mientras que Asian Kung-fu Generation -que llegaron a Chile en 2015 y tuvieron que cancelar este año- interpretan punk rock.

Buenos ingresos

A pesar de que localmente la música japonesa es parte de un nicho, la nación asiática tiene una cultura musical muy fuerte. En términos puramente industriales, la Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI) sitúa a Japón en el segundo lugar del Top 20 mundial de ingresos a partir de música, solo por detrás de Estados Unidos, y superando ampliamente a otros mercados como Reino Unido y Alemania.

Gonzalo García, CEO de NoiX Entertainment, dice que al país solo llega una parte de las grandes tendencias que hay en Japón. "Lo que aquí se escucha está a la escala del mercado nacional. Si bien hay artistas muy populares que llegan, existen bandas japonesas como Arashi que llenan estadios de 50 mil personas, cuatro veces seguidas", destaca.

En la agenda de próximos conciertos ya hay confirmadas más visitas. El 26 de octubre, la banda de metal extremo Maximum the Hormone actuará en el Teatro La Cúpula; y en enero próximo, la emblemática agrupación de post-rock, Toe, visitará por primera vez el país y se presentará en el Teatro Nescafé de las Artes.

Cuenta regresiva para la apertura del Teatro Regional del Biobío

El Mercurio

Por estos días, su directora ejecutiva, Francisca Peró, afina los detalles del programa con que este esperado escenario de Concepción empezará a funcionar. Será una propuesta con bastante música de cámara y teatro, que se presentará oficialmente en noviembre.  

Por SEBASTIÁN HENRÍQUEZ 

Tres grúas hay por estos días en los costados del Teatro Regional del Biobío. Son móviles y tienen una suerte de canastillos donde trabajan los técnicos que instalan la membrana de fibra de vidrio que tendrá el teatro en sus cuatro caras. Mientras los profesionales montan la tela, hay cuadrillas que limpian los espacios donde habrá estacionamientos y jardines. En la sala principal, que contará con 1.200 butacas y cuyo escenario será de los más grandes del país, ya se retiraron los andamios.

Son las últimas etapas en la construcción de este edificio que, con 30 metros de alto, resalta en la costanera norte del Biobío. Una obra que diseñó el arquitecto Smiljan Radic y que ya atrae a sus primeros visitantes: la semana pasada, un curso de estudiantes de Arquitectura de Temuco viajó a Concepción para conocer la obra del premio nacional como parte de una asignatura.

El edificio, completo, se debería entregar en diciembre, y para esa fecha, el equipo a cargo de la gestión del teatro ya habrá dado a conocer la cartelera 2018. Trabajan contra el tiempo. Pero Francisca Peró, la directora ejecutiva del teatro, ya cuenta algunos avances. "El 30 cierra la convocatoria para la sala de cámara. Esperamos con eso tener un 70% de la programación para este espacio, todo producción local", dice Peró.

Sobre la cartelera, eso sí, no quiere adelantar mucho. Se dará a conocer en noviembre, pero ya hay algunas cosas que puede confirmar. "Tenemos convenios con Matucana 100, el GAM, el Teatro Regional del Maule y el Municipal de Santiago", anticipa, explicando que el acuerdo con este último implica que una presentación se replicará en Concepción. Además, en el Municipal se realizará una serie de pasantías para el equipo penquista. Personal administrativo y de comunicaciones aprenderá el modelo del recinto metropolitano.

Pero el Teatro Regional no solo recibirá programación "afuerina", su directora también busca entrar al circuito nacional con una producción propia durante el primer año de funcionamiento. "Hay un trabajo que se va a hacer con la compañía de teatro Laura Palmer, de Santiago. Ellos van a venir a ofrecer un taller-audición, y van a elegir a seis personas, no necesariamente actores, para montar una obra que, tentativamente, se llama '27-F'", cuenta Peró, aludiendo al terremoto que en 2010 afectó duramente a la ciudad. Esta obra, que se estrenará en abril, se llevará al GAM dentro del año. "Que se vaya al GAM no es parte del convenio", señala Peró, sino que "la obra fue seleccionada dentro de los procesos normales que tienen ellos". Una primera victoria.

El equipo ha llegado a esta planificación a pesar de que aún no hay fecha definida para la inauguración. Y es que, si bien el edificio se entrega a fines de año, habrá detalles que revisar para dar el visto bueno a la recepción. De todas maneras, informan, el corte de cinta no debiera ser más allá de los primeros días de marzo.

Mario Cabrera, presidente del directorio, señala que habrá un período de "rodaje", necesario para que el teatro funcione a toda capacidad. "En mi experiencia, un centro de esta magnitud toma entre dos y cinco años en funcionar. Lo primero, en cuanto a gestión y para acortar este plazo, es asegurar el financiamiento. Estamos apostando a tres líneas, un piso del Estado como lo tienen el GAM o el Municipal; un componente del gobierno regional, porque es un teatro de acá, y esperamos atraer un importante componente privado. Hay muchas empresas en la región que tienen una fuerte identidad local", explica Cabrera.

Ensemble New Babylon en la SCD

El Mercurio

El conjunto alemán  termina su gira internacional, titulada "Huellas", con un concierto en el que interpretará obras de compositores chilenos como Cristián Morales Ossio, Pablo Vergara y Pedro Álvarez, junto a piezas de autores alemanes, como Alex Müller y Brigitta Muntendorf, y de argentinos. La presentación será este martes 10, a las 19:30 horas, en la SCD Bellavista (Santa Filomena 110).

viernes, octubre 06, 2017

La gran guitarra de José Antonio Escobar, en Chile

El Mercurio

El virtuoso guitarrista vino a estrenar una obra recién escrita por Javier Farías y a recuperar el sonido original de una pieza clave de Giuliani.  

Por Romina de la Sotta Donoso 

A los 24 años ganó el primer premio en el concurso "Heitor Villa-Lobos", en 1997. Al año siguiente repitió la hazaña en el "Alirio Díaz" y dos años después, en el "Francisco Tárrega". En menos de una década, José Antonio Escobar (1973) obtuvo 15 premios en las más prestigiosas competiciones de guitarra. Y seis veces fue un primer lugar.

Hoy ya ha actuado en más de 30 países y es un cotizado guitarrista, con fama mundial. La crítica internacional destaca una y otra vez su expresividad y que llega a la esencia de la música. Y sus colegas chilenos lo reconocen como uno de los mejores. Dicen que es un guitarrista muy fino y estudioso, que posee una gran cultura musical y que es multiestilístico.

"Siempre tuve afinidad con todos los repertorios; bienvenido lo que me pongan al frente. Incluso si es música que critican o tachan de fea, yo siempre logro enamorarme de la obra y sacar lo mejor de ella, porque es lo que me corresponde hacer. Es mi trabajo", dice.

Escobar está radicado en Barcelona, pero viene todos los años. Y en esta ocasión debutará con la Orquesta de Cámara y Alejandra Urrutia. Escobar será solista en el estreno mundial de "Jondo", del premiado Javier Farías (1973). "Está muy bien escrita y tiene un fuerte componente flamenco", dice.
También será solista en el Concierto para guitarra N°1 de Mauro Giuliani, compuesto en 1808. "Generalmente se hace la versión reducida, pero nosotros la presentaremos en su orquestación original, que exige que cada vez que toca el guitarrista se toca en un ripieno , es decir, solamente lo acompaña el cuarteto de un solista por cuerda. Y se separan con los tutti , de manera de no tapar a la guitarra. Es otra sonoridad", detalla.

El programa se completa con el estreno de "In Memoriam (Fernando Rosas)" de León Schidlowsky, el Andante para cuerdas de Alfonso Leng y las Danzas Rumanas de Bela Bartok.

Los conciertos son hoy en el Teatro Municipal de Ñuñoa (20 horas, gratis), y mañana, en la U. Santa María, en Valparaíso (19:30 horas, desde $5 mil).

Ecléctico por naturaleza

José Antonio Escobar ha publicado cuatro discos con Naxos, el gran sello discográfico del mundo clásico. Y uno de esos CD, "Guitar Music of Chile" (2008), fue en un momento el más vendido del sello.

Además de que el sonido y la interpretación son impecables, la curatoría misma del CD generó mucha curiosidad. Escobar eligió obras particularmente idiomáticas, que mixturan recursos de las músicas de arte y de raíz, de Horacio Salinas, Javier Farías, Juan Antonio Sánchez; Antonio Restucci y Javier Contreras. Y también incluyó las 5 Anticuecas de Violeta Parra.

"Cuando yo era estudiante el conservatorio era un poco cerrado; no entraba esta música que tiene cierta influencia de la música popular y de nuestras raíces, y yo quería ayudar a liberar a las nuevas generaciones de estos prejuicios. Igual que quise hacerle un reconocimiento a Violeta Parra, con las Anticuecas, que son como el lado oscuro de la cueca, la parte que está en el subconsciente", comenta.
Escobar, en todo caso, sigue trabajando con Naxos. Hace poco publicó "Luys Milán (c.1500-c.1561). El Maestro, Libro 1 (1536)", CD donde tocó la vihuela. Un instrumento que conoció con su profesor en la U. de Chile, Ernesto Quezada, quien era guitarrista y laudista.

Asimismo, en enero grabará su nuevo disco con la obra para guitarra de otro español: Eduardo Sáinz de la Maza.
"Soy ecléctico por naturaleza", reconoce sonriendo.

Elucubraciones a tres voces: música que vuelve al origen

El Mercurio

El ensamble formado por Nicolás Vera, Félix Lecaros y el argentino Leo Genovese lanza el disco "Mitos del sur", un ejercicio estético frente al hastío de la sobreinformación.  

Por IÑIGO DÍAZ 

En los términos aquí propuestos, a esta música no se le podría llamar composición. Tal vez interpretación, intervención o instalación. Se titula "Bichos groove", donde ocurre todo tipo de acontecimientos sónicos elaborados por Nicolás Vera, Félix Lecaros y el argentino Leo Genovese, integrantes del trío. "Aprovechamos la influencia de Genovese y su rollo de la música espontánea para una narrativa propia a partir de la improvisación", dice Nicolás Vera sobre el pianista, un nombre en las escenas del jazz de Nueva York. "Teníamos temas o ideas de temas, pero simplemente nos pusimos a tocar. Así fueron apareciendo cosas", recuerda Vera. El disco "Mitos del sur" (Aconcagua Records) se presentará en vivo hoy en el club Thelonious, y mañana en el Teatro U. de Concepción.

Una de esas intervenciones es "Bichos groove", que fonéticamente también suena como "Bitches brew", el famoso álbum de 1969 de Miles Davis que inauguró la era del jazz rock. "'Mitos del sur' tuvo mucho que ver con ese disco, en cuanto a que se hizo en una sola gran sesión de música donde reunimos mucho material, unos 200 minutos. Luego fuimos encontrando partes que se fragmentaron o reutilizaron", señala Vera.

En ese sentido, creaciones como "Luz mala" son ejemplo de propuesta y método. Genovese, su autor, dispuso una serie de notas, pero no especificó nada más, ni estructura ni rítmica. Incluso escribió reflexiones muy personales sobre el tema. Más que improvisación, se trata de elucubración.

El trío de jazzistas utilizó además antiguos aparatos como los sintetizadores Moog, Prophet y Korg MS20, que permiten modular en tiempo real todas las frecuencias. La posproducción también se realizó con tecnología análoga. Nacidos alrededor de 1980, son parte de la generación de la música en las redes. "En un momento se produjo una sobreinformación agobiante. Entonces decidimos hacer una música que nos permitiera volver al origen de la apreciación", cierra Vera.

jueves, octubre 05, 2017

Fortaleza y vigencia del legado de Fernando Rosas

El Mercurio

A diez años de la muerte del Premio Nacional de Música 2006.
El director porteño siempre trabajó para que la ciudadanía tuviera acceso real a la música clásica. Y las instituciones que fundó continúan su labor.  

Por Romina de la Sotta Donoso 

A las 20 horas de hoy, en el Colegio Manquehue, se hará una misa en recuerdo de Fernando Rosas Pfingsthorn (1931-2007). "Me emociona que todavía la gente se acuerde tanto de él, porque la memoria es frágil", confiesa Ana María de Andraca, su viuda. Ella está trabajando para construir una página web del Premio Nacional de Música 2006, con sus escritos -inclusive su atrevido libro "Entreacto" (1979)-, grabaciones y entrevistas, más testimonios y fotografías.

"Fernando era muy multifacético. Era músico, creador de conjuntos y de instituciones, se involucraba en la definición de políticas culturales y del desarrollo musical del país", dice.

Trabajador infatigable de la música, hoy que se cumplen diez años de su muerte, su legado exhibe vigencia y fortaleza.

Su obra mayor fue la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles (FOJI). La fundó en 1991, con el apoyo de Luisa Durán, y en los últimos cinco años ha brindado capacitación e instrumentos a 157 agrupaciones de todo Chile, además de administrar a 17 orquestas en las que se forman los mejores mil jóvenes músicos del país.

"Todos los días tratamos de estar a la altura de Fernando Rosas. Siempre que hay dificultades, alguien del equipo recuerda que si él decía que se podía, entonces tenemos que poder'", comenta Haydée Domic, directora ejecutiva de la FOJI.

"Estamos cumpliendo la misión que nos dio; entre el 70 y el 75% de los niños y jóvenes que están en nuestras orquestas o que reciben apoyo de la FOJI están en los cinco quintiles más vulnerables", agrega.

Quijote infatigable

El ministro de Cultura, Ernesto Ottone, es enfático: "Fue un Quijote. Gran parte de la institucionalidad de música clásica que hoy tenemos se le debe a él. Con Jorge Peña Hen son los padres del gran movimiento de orquestas juveniles. Pero no solo creó la FOJI, sino también la Orquesta de Cámara de Chile, la Radio Beethoven y la Fundación Beethoven".

La Orquesta de Cámara de Chile, que hoy depende del Consejo de la Cultura, ha dado este año 45 conciertos en la Región Metropolitana, y ha hecho giras a Los Lagos, Tarapacá, Araucanía, Aysén, O'Higgins y Valparaíso. En diciembre va a Rapa Nui, y en las giras hacen clases magistrales a cientos de músicos locales. Además, tuvieron más de 4 mil escolares en sus conciertos educativos 2017.

Asimismo, la orquesta mantiene el compromiso de Rosas con la música chilena. En los conciertos de homenaje a su fundador, que están dando esta semana, tocan "In Memoriam Fernando Rosas", de León Schidlowsky, y otras dos obras nacionales (Cultura.gob.cl).

Servicio público

Esas dos entidades, Rosas las creó con apoyo del Estado. "Pero cuando no obtiene del Estado recursos para desarrollar sus proyectos, y los busca en el mundo privado, el maestro Rosas siempre lo hace con vocación de servicio público, pensando en el bien común, que es la igualdad de oportunidades", dice el ministro Ottone. Cuando lo exoneraron de la U. Católica -cuyo Instituto de Música dirigió desde 1964 a 1975-, Rosas y su socio de toda la vida, el contrabajista Adolfo Flores, fundaron la Agrupación Musical Beethoven.

"Fernando Rosas tenía una capacidad admirable de crear instituciones que, contra viento y marea, siguen funcionando hasta hoy, y con la misma filosofía que él planteó. Lograba poner en marcha cualquier proyecto", asegura Flores, director de la Radio Beethoven, que ambos fundaron en 1981. "Quisimos extender la sala de conciertos, que fuera menos elitista, y funcionó. Siempre hay nuevos auditores", agrega. A Rosas lo recordarán en el 96,5 FM con sus mejores grabaciones en vivo.

La Fundación Beethoven, en tanto, además de organizar la temporada "Fernando Rosas", hace un ciclo paralelo de conciertos gratuitos. "Les estamos dando acceso a más de 6 mil estudiantes y jóvenes músicos a conciertos y clínicas de categoría mundial", dice Rodrigo Velasco, presidente de la entidad. Y también siguen haciendo los multitudinarios Conciertos de Verano en la Quinta Vergara.

Este año, además, estrenaron "Beethoven va... al colegio", con la Fundación Ibáñez-Atkinson: un grupo de músicos inicia a los niños en la audición musical. Según sus proyecciones, 700 estudiantes habrán asistido al programa a fines de año. "La misión que como fundación nos dejara el maestro Rosas se ha fortalecido y extendido", cierra Velasco.

The Cult: "No celebramos aniversarios, eso es para la gente que mira el reloj"

El Mercurio

La banda británica debuta mañana en Chile en el Teatro Caupolicán en el marco de la gira de su último álbum, "Hidden city".  

Por Magdalena Bordalí 

A Ian Astbury le bastó una visita a Chile para certificar que "los fans latinos son los más apasionados del mundo", cuenta al teléfono desde Los Angeles, California. El músico vino en 2004 para un show junto a los sobrevivientes de The Doors y ahora, trece años más tarde, regresa para debutar con su banda The Cult.

Los británicos se presentarán este viernes en el Teatro Caupolicán tras dos intentos fallidos por tenerlos en el país. La tercera fue la vencida para un conjunto que llega con su último álbum, "Hidden city", lanzado el año pasado, un trabajo que, además, tiene un fuerte lazo con Sudamérica al hacer referencia a una población marginal de Buenos Aires.

The Cult realiza esta visita impulsada por la revisión de su material más fresco en un año que justo coincide con el aniversario número 30 de uno de sus discos más populares: "Electric", algo que, sin embargo, para la banda no es tan significativo, apunta el cantante.

En una época de continuas citas al pasado y celebración de títulos que cumplen una determinada cantidad de años, el grupo aparece prácticamente como una anomalía en la industria musical: "Nosotros no celebramos aniversarios, eso es para la gente que mira el reloj", dice con convicción Astbury que agrega: "Lo que nos importa es qué tan buenos somos ahora", desafía.

La banda llega en el marco de una gira que ha entregado entusiastas reportes y que contempla un repaso de su discografía, además de sus temas nuevos. Una reunión que en vivo ha demostrado su solidificación a pesar de los diversos hiatos que ha tenido el conjunto durante su carrera. "Siempre pensé en nuestros tiempos separados como un receso y no como una separación. En esos momentos experimenté musicalmente y viajé para llegar con esas experiencias a The Cult, algo que terminó influenciando la evolución de la banda", dice el artista.

Chile es el último país latinoamericano que visitará The Cult con "Hidden city", en un tour que ya se realizó por Perú, Brasil y Argentina.

miércoles, octubre 04, 2017

El poder de la voz femenina se sintió con fuerza en Valparaíso

El Mercurio de Valparaíso

Con "Mil cantoras para Violeta", en la Plaza Sotomayor se le rindió tributo a la insigne folclorista para festejar su centenario, la primera actividad en el país.

Por Flor Arbulú

Las bocinas de los barcos anunciaron la medianoche, momento en que un millar de mujeres comenzaron a entonar "El día de tu cumpleaños" en torno a una torta con velitas. Así culminó "Mil cantoras para Violeta", iniciativa del Consejo Regional de la Cultura y las Artes y que dio inicio a las celebraciones que se realizarán en todo el país para festejar el centenario de la artista, quien llegó a este mundo un 4 de octubre de 1917 en la actual Región de Ñuble.

La actividad comenzó tres horas antes en una Plaza Sotomayor donde llegaron cientos de personas, especialmente mujeres de todas las edades, y contó con tres partes. La primera estuvo a cargo tres destacadas cantantes nacionales: Tita Parra -hija de Isabel y nieta de Violeta-, Ana Tijoux y Pascuala Ilabaca.

La encargada de inaugurar la jornada fue Tita con "El palomo", canción recopilada por Violeta y que ella escuchaba de niña y que fue coreada por todos los presentes. Luego entonó "La tierra", composición propia, y el tema de su abuela "Me gustan los estudiantes".

Posteriormente fue el turno de Ana Tijoux con su canción "Mi verdad", tema principal de "El reemplazante", para seguir con "Shock". "Antipatriarca", en tanto, se la dedicó a Tita Parra y que hizo bailar a parte del público. Pascuala, en tanto, abrió su show con la cueca libre que le dedicó a Violeta, "Violeta y Frida". Luego siguió con el tema "Canción quechua", basado en un poema de Gabriela Mistral, para terminar con "Diablo rojo, diablo verde", que motivó al público a bailar.

Después fue el turno de la Orquesta Andina de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso (PUCV), dirigida por Félix Cárdenas, y del coro compuesto por 120 féminas provenientes de San Felipe, Los Andes, La Ligua, Quillota, San Antonio, Quintero, Quilpué y Valparaíso, mientras que a los costados del escenario se ubicaron mil mujeres que unieron sus voces junto a otras cientos del público, en una emocionante interpretación de clásicos de Violeta Parra, como "Run Run se fue pa'l norte", "Volver a los 17", "La jardinera" y "Casamiento de negros", y donde también cantaron las artistas nacionales invitadas.

La tercera parte estuvo a cargo de Los Maestros del Folclor, instancia que busca abrir espacios de difusión para cultores del folclor urbano de Valparaíso y que cuenta con la colaboración del Centro Cultural La Isla de la Fantasía. En su intervención participaron María Cristina Escobar, Lucy Briceño, César Olivares, Luis "Flaco" Morales, "Juanín" Navarro, Ramón "Huaso" Alvarado, el "Tío" Elías Zamora y José "Pollito" González, acompañados de Martín León en contrabajo y Gabriela Cáceres en piano y acordeón.

El gran empuje

El ministro de Cultura, Ernesto Ottone, manifestó que "partimos celebrando el Día de la Música y los Músicos Chilenos y, por supuesto, la previa de los cien años de Violeta Parra desde Valparaíso. Este concierto recoge la visión de una Violeta multifacética y convocante, reuniendo en un escenario a artistas destacados y reconocidos nacional e internacionalmente, como Ana Tijoux, Pascuala Ilabaca y Tita Parra, más el coro de 120 mujeres conformado luego de un proceso participativo regional, dando como resultado un hito musical a la altura de lo que esta figura de la creación nacional representa para el país".

La directora regional de Cultura, Nélida Pozo, expresó, por su parte, que "este concierto ha sido una gran experiencia para todos y todas quienes participamos". Desde su perspectiva, "no podíamos celebrarla de otra forma, con muchas voces de nuestra diversidad regional, una puesta en escena de excelencia artística y con un Plaza Sotomayor desbordada de emociones, por lo que nos sentimos orgullosos que sea Valparaíso la ciudad que dio el pie inicial a la celebración de los 100 años de Violeta Parra y esta noche de víspera nuevamente seamos el punto de partida de los festejos que se extenderán por todo el país".