lunes, mayo 22, 2017

Aguaturbia: "El rock tiene que ver con la actitud, no puede venderse como una pomada"

El Mercurio

Denise y Carlos Corales hablan del regreso discográfico, después de 47 años, de la banda ícono de la sicodelia en Chile. Además, adelantan su próximo show en vivo del próximo 1 de julio en el Teatro Nescafé de las Artes.  

José Vásquez 

El regreso es circular. Aguaturbia quiso quitarles la pausa a 47 años de silencio discográfico lanzando un disco en el mismo sitio donde en el 70 le dieron vida a una protoescena entusiasta, de religión idealista, pero todavía demasiado precaria. Carlos Corales y Denise dicen que el estreno de su nuevo título, "Fe, amor y libertad", el tercero de su carrera, no podía ser en otro lugar que no fuera el próximo 1 de julio el Teatro Nescafé de las Artes, el escenario del rock en una época que sintonizaba más con el Canto Nuevo que con las guitarras eléctricas a altos decibeles.

"Ese lugar tiene mucho que ver con nuestra historia. A fines del 70 se llamaba el Teatro Marconi, donde a Alfredo Saint-Jean, un cabro de 19 años entonces, se le ocurrió hacer conciertos de rock, porque no existían en Chile", recuerda Denise, que agrega: "Nosotros tuvimos el descaro de hacerlo. Conocimos a Alfredo, que hoy es el dueño del teatro y participamos en un ciclo al que le pusieron 'Música de vanguardia'", dice la cantante ícono de la sicodelia en el país.

Su esposo, Carlos Corales hace memoria y dice, que antes de eso, las presentaciones de bandas como la suya solo se realizaban en los bares, marcando ese momento como el inicio del circuito de teatros en la capital. "Sin eso, capaz que acá no hubiera existido el rock and roll y nos hubiéramos tenido que conformar solo con la Nueva Ola", señala la vocalista de Aguaturbia, que rompió esquemas en el comienzo de su carrera.

La banda escandalizó a una sociedad conservadora con el desnudo grupal que tuvo una de sus portadas o la representación de una Denise crucificada en la otra. Casi cinco décadas después, la artista siente que una vez más es parte de un impulso eléctrico para sacudir el estancamiento. "Creo en los ciclos del universo y que cada cierto tiempo aparecen los cambios. Nuestro país siempre ha sido conservador, pero hoy son las nuevas generaciones las que están más empoderadas. A nosotros nos tocó hacer los cambios antes y ahora pareciera ser que tengo la misma energía para hacerlo de nuevo", avisa Denise.

Tercera parte

En abril, los suecos de Opeth llegaron con todo su metal progresivo a sacudir el Teatro Caupolicán. Una banda que transita por la vereda extrema del rock, pero que aterrizó en Santiago con una petición especial: conocer a Aguaturbia. El conjunto chileno es una banda de culto en su género y no son pocos los grupos foráneos que llegan al país con la idea de encontrar sus discos en las tiendas, como lo hicieron algunos miembros de Franz Ferdinand, en su debut sudamericano en 2006. "La gente de Opeth nos contactó a través de Angelo (Pierattini) -líder de Weichafe y productor de su disco- y los fuimos a ver a su show. Los tipos nos pedían sacarnos fotos con su celular y la verdad es que con Carlos ¡nos mirábamos con mucho pudor!", dice la cantante.

De alguna forma, Aguaturbia trascendió las fronteras igual como lo hicieron sus integrantes en la década del 70, cuando viajaron a Nueva York para empaparse de la música que escuchaban con fanatismo. "Vendí todos mis instrumentos y llegando allá me compré una guitarra de verdad. Vimos a Led Zeppelin, a The Who, a Dylan, a Elvis... sentía que había que estar ahí; si no, habría sido lo mismo que un militar que aprende a disparar, pero nunca va a la guerra. Lo que hacemos es rock and roll: nosotros salimos, tocamos y que otro se preocupe del sonido en el camino", dice Carlos Corales con entusiasmo. "El rock tiene que ver con la actitud, no puede venderse como una pomada; va por dentro y esa es la gracia, por eso cuando la gente dice: '¿cómo es que Mick Jagger puede hacer esto a los 70 y tantos años?' ¡porque es natural y sale de su espíritu!", complementa Denise.

La pareja desborda energía y dice que en estos 47 años pudieron haber sacado 10 discos si hubieran querido. "Siempre hemos grabado", dice la cantante, y Corales complementa que, cuando se decidieron a entrar al estudio, le dieron muchas vueltas antes de decidir qué es lo que iban a mostrar en el nuevo material. "Al final, fue simple: nosotros hacemos rock and roll y blues", zanja el guitarrista.

El disco finalmente saldrá a mediados de junio y es el primero que hacen completamente en español, aunque incluyeron también sus versiones en inglés. Hoy presentarán un adelanto en diversas plataformas con "Corazón bye bye", un bolero eléctrico "a la vena", dice Denise que se entusiasma con su próximo show en vivo: "Va a ser un lanzamiento espectacular, tocaremos el disco completo en español y, si se me olvida algo, lo haré en inglés. Tocaremos temas instrumentales, acústicos y terminaremos con los sicodélicos. Es muy probable que nos acompañe un trío de vientos, me encanta sumar una onda medio James Brown, ¡él me ilumina!".

Murió la pianista Hilda Cabezas

El Mercurio

Había nacido en 1939.
Ayer, en Alemania, dejó de existir una de las pianistas más apreciadas en el mundo local de la ópera. Hilda Cabezas-Gräbner se destacó como pianista correpetidora, es decir, acompañante en la preparación de roles líricos. "Ella, además de ser una estupenda pianista, tiene tal experiencia internacional que sus acompañamientos se transforman en verdaderas lecciones", dijo en 2008 a "El Mercurio" Andrés Rodríguez, entonces director del Municipal de Santiago. Además de colaborar en ese teatro, Cabezas ofreció numerosos recitales de canto y piano.

Los formatos "herederos" del MP3 apuntan a la música de alta fidelidad

El Mercurio

Su objetivo es que las melodías se escuchen como si se estuviera en la sala de grabación. Además, son más eficientes en comprimir los archivos, por lo que logran alta calidad en menos espacio. Servicios de streaming de música como Spotify, Apple Music o Tidal usan formatos de este tipo, como Ogg Vorbis, AAC y Flac.  

Alexis Ibarra O. 

MP3, Napster, reproductor portátil. Palabras que en 2017 suenan añejas, pero que hace dos décadas fueron los pilares de una revolución: la de la música digital.

Esta semana, el Instituto Fraunhofer, creador del MP3, marcó el fin de una era al informar que concluía el licenciamiento del formato. "Agradecemos a todos nuestros licenciatarios por su enorme apoyo en hacer de MP3 el codec de audio estándar en el mundo durante las pasadas dos décadas", escribieron en un comunicado.

La "magia" del MP3 es que logra reducir el tamaño de una canción a una décima parte de lo que "pesa" el archivo de un CD de audio. Para lograrlo, el MP3 suprime frecuencias y trata de hacerlo con aquellas no audibles. "El MP3 es el formato de compresión más popular y permitió que a fines de los 90 se pudiera mover audio digital de un lugar a otro usando muy poco ancho de banda, ideal para los comienzos de internet", dice Luis Ahumada, director de MediaStream, empresa líder en la región en servicio de streaming de audio y video.

Pero el panorama cambió. Los discos duros ahora tienen más capacidad y los planes de internet ya son capaces de transmitir archivos grandes en apenas unos segundos. "Ya hace tiempo que la industria está trabajando con otros formatos, como AAC, AAC+ o HE-AAC, que son el doble de eficaces en comprimir", dice Ahumada.

Para entender esto, primero hay que saber que la compresión de un archivo se mide por su tasa de compresión (bitrate) en Kbps (kilobits por segundo). Un archivo MP3 estándar tiene una tasa de compresión de 128 Kbps, pesa 4 megabytes y se escucha relativamente bien. "Los especialistas lo van a notar... si escuchas un MP3 en un equipo de audio con buenos parlantes, te darás cuenta de que la calidad del audio no es buena", dice Ahumada.

Con los nuevos formatos, como el AAC, un archivo de 4 megas puede tener una tasa de compresión el doble del MP3; es decir, 256 Kbps, por lo que su calidad es mayor y ocupa el mismo espacio.

Los servicios de música en línea hace tiempo que dejaron de usar MP3 para transmitir sus archivos. Spotify, por ejemplo, usa el formato Ogg Vorbis en 320 Kbps para las cuentas Premium, para quienes quieren música en la más alta calidad, mientras que Apple Music usa AAC de 256 Kbps.

Pero hay formatos de todavía mayor calidad, como Flac. Es un codec del tipo LossLess; es decir, para comprimir la información no requiere suprimir frecuencias, por lo que no se afecta su calidad. Eso sí, a diferencia del MP3, logra reducir un archivo solo a la mitad de su tamaño.

Flac se usa, por ejemplo, en una nueva línea de reproductores, parlantes y audífonos de Sony, que promete música Hi-Res; es decir, de alta resolución. Hay portales que ofrecen para descarga música en este formato. Un archivo de audio de alta calidad puede pesar entre 50 MB y 100 MB por canción, y, según los entendidos, es lo más cercano a escuchar la música tal como lo hace el ingeniero de sonido en el estudio de grabación.

Pero no hay que engañarse. "No se saca nada con acceder a este tipo de archivos si se va a escuchar la música con los parlantes del PC o con audífonos comunes", advierte Felipe Ferrada, académico de la carrera de Técnico en Sonido del Instituto Profesional Santo Tomás y socio en el estudio de grabación Audiocustom.

Para sacar provecho a estos nuevos formatos de alta calidad -dice Ferrada-, la grabación original debe haber sido hecha con estándares Hi-Res, con tasas de muestreo mayores de 44,1 Khz (la tasa de muestreo que se asemeja a la resolución de una fotografía o a los cuadros por segundo de un video). Pero, además, el reproductor de audio debe ser Hi-Res, y los parlantes o audífonos también. De lo contrario, es como ver un video DVD en un televisor 4K.

Ya hay servicios -como Tidal, que está disponible en Chile- que ofrecen transmisión de música en línea en el formato Flac de muy alta calidad. Un sonido que agradecerán los oídos más refinados solo si tienen equipos de audio de calidad.

Familiares planean monumento a Chris Cornell

El Mercurio

El funeral del líder de Audioslave y Soundgarden será el próximo viernes 26 de mayo en el Hollywood Forever Cemetery en Los Angeles. Mientras tanto, su familia evalúa levantar un memorial para que sus fanáticos puedan ir a rendir tributo al músico.

Delegación de la Royal Opera House en Chile

El Mercurio

El director del programa "Jette Parker" para jóvenes artistas de la Royal Opera House, David Gowland, y el director artístico del Teatro Municipal de Río de Janeiro, André Heller-Lopes, dictaron clases magistrales, desde el jueves y hasta ayer, en el Municipal de Santiago, a un grupo de intérpretes nacionales. La delegación también visitará Argentina, Brasil y Colombia, buscando jóvenes talentos, que podrían ser seleccionados para una residencia de dos años en el teatro londinense.

Drake rompe récord en premios Billboard

El Mercurio

El rapero canadiense obtuvo 13 galardones anoche en la entrega del reconocimiento a los artistas más populares de la industria. El músico, que estaba nominado en 22 categorías, superó el récord que se había adjudicado Adele en 2012 con 12 trofeos en una jornada. Drake se impuso como Mejor Artista, Número 1 en Ventas y Mejor Gira Rap, entre otros.
Una de las mayores sorpresas de la ceremonia fue la presentación de un estracto del show que Ed Sheeran realizó en Santiago el lunes pasado. El cantante británico, que actualmente se encuentra de gira, se hizo presente en la premiación con una grabación del inicio de su concierto en la capital con el tema "Castle on the Hill".

domingo, mayo 21, 2017

Muere Waldo Aránguiz, maestro coral de Chile

El Mercurio

Romina de la Sotta Donoso

A los 90 años, ayer falleció Waldo Aránguiz Thompson, uno de los más destacados músicos de la escena coral chilena.

"Junto a Mario Baeza, de quien fue discípulo en el Coro del Instituto Luis Campino, Waldo Aránguiz estuvo en los inicios del gran movimiento coral chileno que en las décadas de 1960 y de 1970 cubrió todo el territorio nacional. La labor de estos pioneros fue tan importante en su momento como lo es la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles en nuestros días", dice Jaime Donoso, director coral y crítico de "El Mercurio".

Aránguiz fundó, en 1962, el Coro Filarmónico Municipal, que colaboró por años en el Teatro Municipal de Santiago, y lo dirigió hasta 1975. Ese año fundó el Coro Ars Viva, que tuvo una larga y fecunda trayectoria. También fundó, y condujo por 25 años, el Coro del Puerto de San Antonio. Para él, como contó a "El Mercurio" en 1999, la actividad coral no solo era artística, sino también "una palanca de elevación social".

"Aránguiz poseía un enorme carisma, y además de músico fue un gran organizador, y su labor se proyectó como dirigente en varios organismos corales internacionales", agrega Donoso. En efecto, llegó a ser vicepresidente de la Federación Internacional para la Música Coral.

"Junto con Mario Baeza, son los padres fundacionales del canto coral chileno. Cuando Chile no tenía un repertorio propio, Aránguiz hizo muchos arreglos corales que hoy se cantan dentro y fuera del país", dice su colega Víctor Alarcón. "Fue un verdadero prohombre de la cultura chilena, muy bondadoso, un representante del Chile de los 60, del Chile del sueño colectivo, igual que Fernando Rosas y Mario Baeza", agrega.

El maestro Aránguiz será despedido a las 13 horas de hoy con una misa en la parroquia Nuestra Señora del Carmen (Plaza Ñuñoa), y su funeral será a las 17 horas en el Cementerio Parque del Recuerdo.

50 años de Sgt. Pepper's: el arte y la locura de la instrumentación

El Mercurio

Son unos Beatles adultos, de bigotes y anteojos de abuela, que en 1967 han abandonado las giras. En su obra maestra no solo se considera el repertorio que presentan y la variedad de sonido que consiguen con instrumentos nunca utilizados en el campo del pop. Son seis meses de trabajo libre y experimental en las instalaciones de Abbey Road. Por primera vez el estudio es un instrumento musical, a cargo de ese quinto beatle llamado George Martin.  

IÑIGO DÍAZ 

Si alguna vez George Martin pudo cometer algún error, este fue uno de ellos. Haber dejado fuera del álbum definitivo las canciones madres de la edad mediana de Los Beatles: "Strawberry Fields Forever" y "Penny Lane". "En ese tiempo si sacábamos un single, nos parecía que las canciones no debían figurar en el álbum. Era una tontería, y me temo que yo fui parcialmente responsable", diría el productor.

Ambas vinieron a definir los bordes de esos Beatles nuevos, que lucían bigotes y anteojos como si se tratara de adultos. Usan vestuarios conseguidos muy probablemente en Carnaby Street y son asiduos al ácido, que ha sustituido a la marihuana que les ofreció Bob Dylan por primera vez. Además, habían vuelto de sus viajes por el mundo decididos a quedarse en sus casas. Ocuparon las caras del single publicado como el anuncio de una obra maestra que este 1 de junio cumple medio siglo: "Sgt. Pepper's lonely hearts club band".

Ningún otro par de canciones como "Strawberry Fields Forever" y "Penny Lane" retratarán tan bien a sus autores, los Beatles principales. Como ya se sabe, ambas recuerdan dos lugares de la infancia liverpoolense de John y Paul, y están sintonizadas además en algo que no siempre se ha dicho: la idea de un regreso a la provincia para volver a la gran ciudad con un repertorio de canciones norteñas.

La primera es una abstracción de poética surrealista, con mellotron, un swarmandal indio, violonchelos y trompetas, escrita por un John Lennon cada vez más vuelto hacia su interior y agobiado por la vida familiar de los suburbios. La segunda, como una crónica costumbrista lineal en tercera persona, con la trompeta barroca en si bemol, compuesta por un Paul McCartney activo socialmente, soltero y viviendo en el centro de Londres.

Espacio creativo

"Como habían terminado con el régimen de giras, ahora Los Beatles disponían de tiempo. Y además contaban con las herramientas para hacer lo que quisieran hacer: los instrumentos cuyo uso será entonces innovador, los equipos, el personal de Abbey Road. Para armar 'Sgt. Pepper's' ellos no tienen canciones, sino ideas. Se encuentran, se negocian, evolucionan ahí mismo. Ellos empiezan a utilizar el estudio de grabación como un espacio creativo", dice Juan Pablo González, musicólogo de la U. Alberto Hurtado.

"Esas sesiones encabezadas por George Martin y con Geoff Emerick como su ingeniero y brazo derecho no fueron en absoluto lineales. Hasta entonces el protocolo decía que una canción se grababa de principio a fin antes de pasar a la siguiente", señala el ingeniero y estudioso del rock Hernán Rojas. "En cambio aquí ellos tiraban unas ideas, se iban, dejaban que maduraran, grababan cosas para otras canciones, retomaban un mes después y las completaban", agrega.

En efecto, Los Beatles grabaron su primer álbum, "Please, please me", en doce horas continuas el 11 de febrero de 1963. En "Sgt. Pepper's" se tomarían su tiempo: seis meses y fracción.

McCartney rastrea un nuevo concepto para desarrollar con Los Beatles. Se inclina por la idea de una banda de ficción, que exima al grupo de ser Los Beatles, de su ego y de sus responsabilidades con el mundo. En la bandeja de comida que le sirven en un avión está la respuesta: sal y pimienta. Salt and pepper : Sargeant Pepper.

Luego rubrica el concepto con un nombre extenso para esa banda fantástica en que se convertirán. Lonely Hearts Club (el club de los corazones solitarios) era una expresión popular muy utilizada por las agencias matrimoniales. Los Beatles son entonces la banda de la ciudad que sube al orfeón de la plaza cada domingo.

Lado A: Satisfacción garantizada

"'Sgt. Peppers' se planea como un álbum conceptual, ya no como un disco de singles importantes y canciones de complemento. McCartney se involucra mucho más en la producción y comienza a tomar el control. Además estaba escuchando a Stockhausen, Berio y otros. Eso lo impulsa a experimentar", señala González.

John Lennon reniega, sin embargo, de la idea de continuidad: "Mis aportaciones no tienen absolutamente nada que ver con esa idea del Sargento Pepper y su banda, pero funciona porque nosotros dijimos que funcionaba".

Billy Shears es el personaje que interpreta Ringo Starr, en la única canción destinada a su voz, que se descuelga del prólogo de la rockera "Sgt. Pepper's..." , con la banda a pleno y los cornos franceses a modo de fanfarria de un show. Son demostraciones del cruce entre la banda electrificada y los sonidos de una orquesta, que aquí, durante la introducción, se escucha en el fabuloso momento de la afinación en un teatro. El nexo con esa "With a little help from my friends" lo constituye otro set de sonidos obtenidos de la biblioteca de EMI: aplausos y gritos de un público que vislumbra algo asombroso por venir.

"La grabación del disco tuvo cosas revolucionarias y creativas, pero también muchas soluciones chasquilla. Un alambrito para alterar la velocidad de una cinta, un dedo para generar un desfase en el sonido, una huincha que cortaban, pegoteaban y agregaban después. Algunas de esas artimañas repercutían en la timbrística, y fue algo que luego se llamó sicodelia", dice Rojas.

En "Lucy in the sky with diamonds" se escucha un permanente zumbido de tambura, instrumento hindú, junto al arpegio del órgano de sonido próximo al clavecín; mientras Harrison toma la idea del unísono que un sarandi indio debe hacer junto a las voces, aunque aquí lo reproduce con la guitarra eléctrica. McCartney concreta la idea de grabar al final las líneas del bajo con el objetivo de conseguir una melodía más que un acompañamiento.

Una más pop que la otra, "Getting Better" y "Fixing a hole" conectan el primer segmento con el final de la cara A. Escritas por McCartney, mantienen el espíritu sicodélico, con la tambura en un caso y el clavecín en el otro. Hay, además, un efecto de reverberación que Geoff Emerick consigue en los baños del estudio. "Si hubiera justicia, por su atrevimiento, Emerick debería haber tenido un crédito como coproductor del disco", opina Hernán Rojas.

"Los Beatles cuentan con cierta autonomía en cuanto a lo que le piden a George Martin. Cuando graban " She's leaving home" definen lo del cuarteto de cuerdas y el arpa, lo que da un sonido de cámara", anota Juan Pablo González, para la canción donde no habrá ningún instrumento del mundo pop presente en el estudio: solo violines, violas, chelos o contrabajos. Se basa en la huida de su casa de una adolescente y la desazón de sus padres. "Cuando se la enseñé a John, él añadió ese núcleo un poco griego, con notas altas y sostenidas", diría McCartney sobre Lennon, quien representa a los padres de Melanie Coe y que opera como un coro del teatro griego.

"John quería oler el aserrín", recordaba George Martin acerca de la abstracta intención de Lennon para "Being for the benefit of Mr. Kite!", otra canción sicodélica donde se aplica el corte y confección de cintas grabadas a distintas velocidades, además de los sonidos del órgano de vapor, el armonio y todo tipo de armónicas, para dar la sensación de un carrusel. "Estaba escrita prácticamente toda la letra de la canción allí", diría a su vez Harrison sobre el afiche de 1843 adquirido por Lennon en una tienda de antigüedades".

Labo B: Un día cualquiera

"No sabía qué hacer con esta canción, así que la puse al inicio de la cara B", admitía George Martin. Si McCartney estaba interesado en la música contemporánea y Ringo en el ajedrez, para fines de 1966 Harrison regresaba de su viaje definitorio a India, donde se instruyó formalmente en la música hindustani. Es el único beatle presente en "Within you without you" , canción fuera de toda lógica pop, adaptada de una pieza de su maestro, Ravi Shankar, para la que se sumaron cultores del Asian Music Circle de Londres con sitar, tambura, dirluba y tabla.

"When I'm sixty four" reconectaba a McCartney con su casa de Liverpool, la niñez junto a su madre Mary y su padre Jim, en los tiempos en que en el living escuchaban música de variedades y comedia musical en la radio. La comenzó a escribir a los 16 años y la terminó a los 25, con piano, clarinetes y campanas tubulares.

En cambio, "Lovely Rita" era una canción londinense que Lennon aborrecía por su historia ficticia sobre una mujer que controlaba los parquímetros: "No me interesa escribir canciones en tercera persona", diría John. Quizás lo más sobresaliente sea el sonido del papel soplado a través de una peineta y la fantástica línea del bajo de Paul que recorre la gran cantidad de acordes, con el sonido y la soltura de un contrabajista de jazz.

Un comercial de cereales saca a Lennon del tedio hogareño y lo lleva directo a "Good morning Good morning", canción sobre la nada misma. Saxofones, trombones y corno francés son impulsados por otra soberbia línea de bajo de McCartney. Además, Emerick vuelve a alterar la realidad forzando la compresión y la ecualización. "Esos dos aparatos están hechos para nivelar sonidos, pero Los Beatles los usan para modificar el timbre", dice Rojas.

Sonidos de la biblioteca EMI completan el eslabón que une esta canción con la despedida del espectáculo, la famosa repetición acelerada de la canción principal ( reprise ) con la banda del Sargento Pepper. Ahí se ubica la secuencia con sonidos de animales de menor a mayor, de modo que cada uno es "asustado" por el siguiente: gallo, gato, perro, caballo, elefante.

"Ahí terminamos muy arriba, pero el desenlace es una canción anticlimática, muy reflexiva e interna, otra vez con Lennon leyendo el diario, de donde obtiene la inspiración", dice González. Es "A day in the life" , a menudo investida como la canción más importante de la historia de Los Beatles, y que bien viene a resumir en cinco minutos el contrapunto entre el Lennon de las ensoñaciones y el McCartney de la vida cotidiana, expuesto previamente en ese single con "Strawberry Fields Forever" y "Penny Lane".

"La escribí en el piano con el Daily Mail abierto. Me fijé en dos noticias. El del titular contaba que el heredero de Guinness se había matado en su coche ('se voló la mente en un auto'), y el artículo sobre los 4.000 hoyos en las calles de Blackburn, Lancashire", recordaba Lennon, ahora con algunos de sus textos en tercera persona. "Él tenía la primera estrofa y la melodía. En otro artículo contaban que la dama fulana de tal había actuado en el Albert Hall, así que todo fue mezclándose en un pequeño lío poético", diría McCartney.

Pero las secciones de la canción se encontraban hasta ahí separadas y se requería algo más que las encadenara. McCartney lo resuelve con su rítmica parte de piano, esta vez en primera persona, donde describe los primeros momentos del día, desde que suena el despertador. Allí también es determinante el glissando ascendente que llena los 24 compases antes de entrar a ese puente. Para ello se requiere la costosa presencia de una orquesta sinfónica. La gran canción final está terminada.

Juan Pablo González: "La historia de la música, desde ahí, es distinta, porque el 'Sgt. Pepper's' demostró que entonces se podrían hacer muchas cosas nuevas en el estudio, como si fuera un instrumento musical. Yo no lo tengo en mi casa. Es uno de esos discos que son tan importantes en lo personal que intento dejar en silencio todo lo que pueda para no agotarlo".

Herencia musical en vivo: Cuando el escenario se transforma en una tradición familiar

El Mercurio

Cecilia Echenique y Eduardo Gatti realizan shows junto a sus hijos; Claudio Narea y Álvaro Scaramelli han incorporado a los suyos en su banda, pero todos ya administran una promisoria carrera independiente de las de sus padres. "El Mercurio" reunió a los orgullosos padres con los compositores de la nueva generación Benjamín Walker, Manuel Gatti, Juan Pablo y Daniel Narea y Adriano y Gianluca Scaramelli.

José Vásquez

La vigorizada última actuación de Sting en Santiago, a comienzos de mes, coincidió con su gira en plan familiar. Además de salir a recorrer el mundo con un macizo disco, la voz de "Shape of my heart" emprendió el viaje con su hijo Joe Sumner, a quien patrocinó en el escenario como su número de apertura y luego, invitándolo a ser parte desde los coros en su propio show.

La idea no es nueva, aunque solo tiene buenos resultados en el tiempo si la acción no se transforma en un espectáculo de beneficencia. "Es importante poner en el papel que el ser hijo de un artista conocido no significa un éxito instantáneo", dice Álvaro Scaramelli, quien incorporó en sus shows en vivo a sus hijos Adriano y Gianluca, quienes además trabajan en un proyecto como dupla.

Cecilia Echenique, Eduardo Gatti y Claudio Narea son también algunos de los músicos que se presentan regularmente en el país con sus herederos musicales, transformando el escenario en una tradición familiar que defienden no como un capricho. "Escogí cantar con Benjamín (Walker) no porque fuera mi hijo, sino porque sentí que por su forma de interpretar era el artista adecuado para hacerlo", cuenta Echenique, sobre el presente que la tiene realizando actuaciones junto a su hijo Benjamín Walker, Artista Revelación de los Premios Pulsar en 2015 y quien ya está próximo a estrenar su segundo álbum, "Brotes".

La crítica es importante para que la relación fructifique y en eso, Narea es riguroso con los suyos. "Mi papá es muy estricto", dice Juan Pablo, y su hermano Diego cuenta que cuando le muestran música al ex guitarrista de Los Prisioneros, este no tiene problemas en decirles: "'Esos acordes no, porque son feos'. Él es duro, pero muchas veces también es muy útil en sus consejos".

El ambiente en el hogar puede estimular la creación y en el caso de Eduardo Gatti, fue lo que empujó a Manuel a pensar en ser músico desde la niñez. "Las guitarras andaban tiradas por toda la casa, solo faltaba que hubiera guitarras en el baño", dice la voz de "Los momentos", que se dio cuenta de forma temprana que el camino de su hijo estaba en la música: "Él a los 10 años me dijo: 'Mira, papá, lo que saqué', y era 'Castles mades of sand', de Jimi Hendrix, tocada muy bien, no era que lo hacía más o menos, era muy sólida, entonces ahí dije profético, 'parece que vamos a ser colegas'".

Los Narea: Música, leyes y política

Hay un momento que Daniel recuerda como decisivo en su motivación para ser músico: viendo a su padre en el escenario junto a Los Prisioneros tocando en el Estadio Nacional. "Ahí dije: 'Qué bien se pasa tocando'", recuerda el hijo cientista político de Claudio Narea. Juan Pablo, su otro hijo músico se acaba de titular de abogado y, como padre orgulloso, Claudio destaca que fue el mejor de su generación. Ambos jóvenes, en un mundo ideal, quieren compatibilizar sus carreras universitarias con la música. "Ojalá podamos divertirnos y pasarlo bien en lo que hagamos, que no sea un trabajo donde nos sintamos obligados a estar", dice Daniel. Juan Pablo toca con su padre en Profetas y Frenéticos (se presentan el 9 de junio en La Batuta) y además prepara el lanzamiento del primer EP junto a su hermano con la banda Psiconauta, un trabajo que esperan lanzar este año. "Ellos pueden haber sentido que a veces se me pasaba la mano con las críticas, pero hoy los resultados son mucho mejores a que si no les hubiese dicho nada", dice Claudio, entusiasmado con el nuevo proyecto.

Los Scaramelli: Evitando la influencia

Álvaro Scaramelli es claro en señalar que él evitó influenciar a sus hijos, los mellizos Adriano y Gianluca, para que siguieran el camino de la música. "Nunca hubo instrumentos musicales en mi casa", dice el ex Cinema y explica sus razones: "Soy un convencido de que esta es una carrera muy difícil, una lotería. Para vivir de la música y que te vaya bien tiene que ver también mucho el destino. Que ellos decidieran ser músicos fue una motivación propia que luego yo apoyé". Después de verlos en el colegio presentándose en una actividad junto a Joe Vasconcellos, el actual presidente de la SCD se dio cuenta de que los jóvenes ya podían tocar con él en su banda. Se perfeccionaron y desde hace cuatro años giran juntos, ganando un dinero que reinvierten en su propia carrera. "Con mi hermano pasamos por hartas etapas, punk, rock alternativo y hoy trabajamos en Adriano & Gianluca, un dúo enfocado al funk con el que acabamos de estrenar el single 'Todo se acabó' (disponible en plataformas como YouTube)", cuenta Gianluca, quien adelanta que su primer EP, saldría dentro de las próximas semanas, entre junio y julio.

Los Echenique-Walker:Fiato embrionario  

Benjamín Walker debutó en los estudios de grabación cantando villancicos cuando tenía 10 años. "Desde la cuna se notaba que era un niño con talento musical, ya que se movía con ritmo cuando le cantaba", cuenta Cecilia Echenique, recordando que para su hijo, el escenario siempre fue una extensión muy natural de lo que veía en su casa. Hoy, Walker está próximo a lanzar su segundo disco en junio y, además, grabó para el nuevo álbum de su madre que saldrá en los próximos meses. Un título en el que condensa en nuevas versiones y con invitados sus 30 años de carrera. Benjamín participa en "Porque siempre hay tiempo", un tema que, cuentan, salió en la primera toma. "Es que la he cantado toda mi vida, la vengo escuchando desde tu útero", bromea el cantautor con su madre. El 22 de agosto será la presentación de este álbum en el Teatro Nescafé de las Artes, donde Echenique estará acompañada de todos sus invitados.

Los Gatti: Unidos por los 70

Caminan juntos, pero corren por separado. Gatti está tocando desde hace algunos años con su hijo Manuel, pero no quiere que esta unión tome una denominación en vivo como "Los Gatti". "Mi idea es que mantengamos cada uno nuestros proyectos por separado, aunque nos acompañemos en el escenario. Es importante para los dos, para mantener la libertad de cada uno", dice. Manuel tomó la guitarra de forma inevitable (ver nota) a los 7 años, pero recién a los 18 se atrevió a cantar. Luego de algunos proyectos y un viaje a Holanda, regresó a Chile para trabajar en su nuevo conjunto, Gran Hermano, un trío integrado por Christian Guzmán y el actor César Sepúlveda, con el que planean lanzar un disco este año. Mientras tanto, comparte escenario con su padre. "Manuel me acompaña en algunas canciones. Hacemos una dupla muy rica. Nuestras guitarras se entrelazan en un tejido bastante complejo y bonito. Tenemos mucha empatía, porque manejamos códigos parecidos. Él está muy interiorizado en la música de los 70, por lo que usamos un lenguaje bien especial con el que nos matamos de la risa cuando viajamos".

Festival Stgo. Rock City inicia su venta de entradas

El Mercurio

El Estadio Monumental será el recinto que albergará el encuentro de cuatro grandes nombres del rock mundial: Guns N'´ Roses, The Who (en la foto), Aerosmith y Def Leppard se reunirán los días 29 y 30 de septiembre en el esperado Festival Stgo. Rock City. El jueves 25 de mayo comenzará la preventa exclusiva para los clientes de un banco, mientras que la venta general se realizará desde el día sábado 27. Los tickets podrán ser diarios o adquiridos en abonos para ambas jornadas. Los precios van desde los $39.000 hasta los $435.000.

La generación grunge se vuelve a teñir de tragedia con Chris Cornell

El Mercurio

El líder de Soundgarden se suicidó la noche del miércoles en un hotel en Detroit, horas después de tocar con su banda. El músico tenía 52 años y se encontraba de gira por Estados Unidos. Dueño de la mejor voz del movimiento, su vida terminó en fatalidad igual que las de Kurt Cobain y Layne Staley.  

José Vásquez 

La despedida fue con "Slave & bulldozers", esa canción de Soundgarden grabada en 1991 e incluida en uno de los álbumes indispensables en su carrera, "Badmotorfinger". Un tema denso, pesado, elástico y tan zeppeliano que Chris Cornell solía entrelazar en vivo con "In my time of dying", ese llamado a la muerte escrito por Robert Plant a mediados de los setenta que, quizás como una jugarreta del destino, fue la última canción que el artista interpretó la noche del miércoles en Detroit, horas antes de ser encontrado ahorcado en el baño de la habitación de su hotel, el MGM Grand de la ciudad.

Su representante, Brian Bumbery, dio a conocer de madrugada el deceso, que calificó de "repentino e inesperado", sin especificar sus causas, mientras trascendidos de la policía, en diversos medios estadounidenses, ya informaban de un posible suicidio. Su familia, a través de un comunicado, pidió respeto por la privacidad del momento, señalando que colaborarían con la investigación forense para determinar la causa de su muerte, que se oficializó con la tragedia ayer. Cornell tenía 52 años y se encontraba de gira con Soundgarden, banda con la que hoy tenía agendado un concierto en Columbus, Ohio.

En su juventud, el cantautor tuvo un cuadro depresivo luego de la separación de sus padres y comenzó a beber a los 13 años, una época en la que se recluyó en su hogar y se dedicó por completo a la música. Una enfermedad que su segunda esposa, Vicky Karayiannis, según publicó ayer el portal de noticias TMZ, dijo no haber advertido sus síntomas en el último tiempo, en conversación con su círculo íntimo. Cornell había comenzado su desintoxicación de drogas y alcohol cuando comenzó esta nueva relación hace 14 años
.
En su última visita de noviembre pasado a Santiago, el artista realizó con éxito tres conciertos consecutivos en el Teatro Municipal. El músico vino como solista y se paró solo con su guitarra a entregar uno de los mejores shows del año pasado en el país. En esa ocasión, quienes compartieron con él lo recuerdan como un tipo deportista y de una alimentación muy sana a base de comidas orgánicas.

Semanas antes de su actuación en la capital, Cornell dio una entrevista a "El Mercurio" -ver nota relacionada- en la que habló de su nueva vida en la soleada Miami, alejado hace algunos años de su natal, lluviosa y fría Seattle.

"Si hubiera crecido en Florida, probablemente habría escrito música muy distinta", reflexionó entonces, agregando: "El clima puede ser bastante dramático y hay una cultura de playa que no tiene nada que ver con algo en lo que me haya involucrado antes. Tenía miedo de que me afectara de una forma en que no me gustara (vivir en Miami), pero todo ha resultado muy bien hasta ahora, y creo que la razón principal es porque estoy sentado en un estudio sin ventanas, escribiendo y grabando demos. Y si quiero, voy a la playa y nado en el mar".

Ciudad capital, Seattle

La capital de la música a comienzos de los noventa fue Seattle. Un fenómeno comercial que explotó con Nirvana y la figura atormentada de Kurt Cobain, líder de una banda de rock alternativo y de nicho que de pronto desbancó del trono pop en el Billboard a Michael Jackson. La industria entonces puso el foco en la ciudad del noroeste de Estados Unidos y una escena en ebullición donde ya destacaba Soundgarden, en un paquete apetecido que también incluía a Alice in Chains y Pearl Jam.

La denominación grunge cayó entonces como una etiqueta que funcionó de forma comercial para determinar un movimiento que coincidía en lo geográfico, pero no necesariamente en lo musical, donde Cobain era tan devoto de The Beatles como de Devo, mientras que Cornell sintonizaba con el rock clásico de los setenta.

Ahora con la muerte de la voz aventajada de la escena, tres de los cuatro estandartes del rock alternativo de los noventa, con domicilio en la ciudad, terminaron marcados por la fatalidad que se inició con el suicidio de Cobain en 1994 y que continuó con la sobredosis de Layne Staley, el cantante de Alice in Chains en 2002. Un final que volvió a teñir de tragedia al movimiento del rock más trascendente de los noventa.

Una carrera solista y tres bandas

A mediados de los ochenta, Cornell conoció a Kim Thayil (guitarrista) a través de Hiro Yamamoto (bajista). Esa reunión fue la génesis de Soundgarden, banda con la que alcanzaría la gloria artística a comienzos de los noventa con su rock de inspiración setentera y exuberancia vocal. Con esta banda se presentó en Santiago para la edición de Lollapalooza en 2014.

En 1991 y de forma paralela a Soundgarden, el músico grabó el título homónimo de Temple of the Dog, una especie de súper banda de Seattle, conformada también por miembros de Pearl Jam en honor a su fallecido amigo Andrew Wood. El conjunto nunca había girado en vivo y el año pasado realizaron su primer tour celebrando los 25 años de su debut discográfico. "Yo creo que todo es posible", dijo Cornell a "El Mercurio" cuando se le preguntó si estaba en los planes del conjunto realizar conciertos en Sudamérica.

Finalizando los noventa, el cantautor inició su carrera de solista con la colaboración del músico chileno Alain Johannes y su esposa Natsha Shneider. Fue en ese período cuando se presentó por primera vez en Chile, en 2007, con un maratónico e intenso show en Espacio Riesco, que entonces también incluyó temas de Audioslave, el proyecto con el que en 2002 inició transmisiones al frente de una banda integrada por los músicos de Rage Against the Machine.

 "¿Y qué pasa si un día no me siento capaz de tocar para el público?"

Arriba del escenario, Chris Cornell siempre entregó la sensación de dominio y control absoluto, aunque en el fondo, según contó a "El Mercurio" en noviembre pasado, había un inédito nerviosismo que apareció cuando emprendió su gira acústica y en solitario.

"Me costó aceptar la idea de que la gente gastara su dinero en mí para estar entretenidos por dos horas y media teniéndome como único responsable de eso", se sinceró entonces el músico que se angustiaba con la pregunta "¿Y qué pasaría si un día no me siento capaz de tocar para el público?". "Sentía esa pesada responsabilidad, igual como creo que un cómico de stand up debe de sentirse incómodo pensando en '¿y si fallo y me equivoco y se dan cuenta?' Después que comprendí que cada show era único y me di cuenta de que cualquiera puede cometer un error y que no hay nada de malo en eso, dejé el miedo a un lado".

Sereno y de respuestas pausadas y extensas, el músico contó en esa entrevista que gran parte de la inspiración de su último disco solista, "Higher truth" (2015), surgió mirando a una de sus hijas (Cornell fue padre de dos niñas, Toni de 12 y Lillian de 16, y un niño, Christopher, de 11 años) en la habitación, extracto que entonces no fue publicado. "Recuerdo que me sentaba y me quedaba mirándola por mucho tiempo cuando Toni era bebé, observando cómo sujetaba mi mano mientras movía su cabeza en distintas direcciones y me chupaba el dedo, y entonces me surgió la pregunta: '¿por qué la gente está tan preocupada sobre si existe vida en otros planetas, si en este hay tantas cosas interesantes, tan alocadas y raras como las que podrían venir de afuera?' Me di cuenta de que siempre queremos algo que no tenemos, que está en la naturaleza humana, y para mí esa es de cierta manera la noción de 'Higher truth' (la verdad mayor), la manera en que un bebé está mirando a la derecha o a la izquierda y de arriba a abajo, encantado o atemorizado por cada pequeño momento, sin pensar en lo que va a venir después. No es preocuparse por la salvación eterna, no es preocuparse por asuntos del ego o encajar en una especie de sistema social en el que nos sentimos aceptados. Este tour (su última gira solista) me ayudó a ver todo eso con claridad, y fui capaz de simplemente vivir el momento reinterpretando las canciones como si nunca las hubiese tocado antes, sin pensar en el show pasado o en el siguiente. Así pude sentirme completamente libre de una manera artística como nunca antes".

Cinco discos indispensables en su carrera
"Badmotorfinger", Soundgarden, 1991
Fue el tercero en la carrera de la banda de Seattle y uno de los álbumes más macizos del grupo, gracias a sencillos como "Rusty cage", "Outshined" y una demoledora "Jesus Christ Pose".

"Superunknown", Soundgarden, 1994
En su cuarto álbum, la banda alcanzó su mayor éxito comercial cosechando sus mayores hits globales con "Black hole sun", "Spoonman", "The day I tried to live", "My wave" y "Fell on black days".

"Temple of the dog", Temple of the Dog, 1991
El único registro de la superbanda de Seattle, que integraron miembros de Soundgarden y Pearl Jam. Una agrupación que el año pasado salió por primera vez de gira y que dejó huella con su éxito "Hunger strike".

"Euphoria morning", Chris Cornell, 1999
El debut solista del músico a base de baladas rockeras. Un álbum que contó con Alain Johannes y su esposa Natasha Shneider en la producción y éxitos como: "Can't change me" y "Sunshower".

"Audioslave", Audioslave, 2002
Su primera incursión junto a los músicos de Rage Against the Machine, un debut potente que golpeó con canciones como "Cochise", "Like a stone", "Show me how to live" y "I am the highway".


La sensación de una enorme orfandad (Por Alfredo Lewin)

Me sentía tal como él al final de los 90, y el disco "Euphoria morning", con toda su carga de tristeza infinita, me salvó la vida. Tuve la oportunidad de decírselo y él lo valoró. Ahora, con su muerte, recuerdo que siempre ha habido en torno a Chris Cornell esa pena rotunda, pero también esas ganas de levantarse.

A los 52 años un padre no muere, y aunque la distancia entre nosotros no es tan grande, lo consideraba el patriarca fundador de una sociedad cómplice que cambió la música y se tomó al mundo por asalto. La sensación es de orfandad y siento una gran pena porque una historia así termine: una historia musical y también la historia de un tipo sensible.

Cornell es un músico que se entronca en la tradición más clásica del rock americano, del rescate del folk. Defensor a rajatabla de la guitarra como compañera, fue un hombre que por momentos abusaba del octanaje de los decibeles. Siempre estará entre los más grandes.

Entre las múltiples veces que nos encontramos pude advertir a dos Cornell: al primero, cuando lo entrevisté un par de veces junto a Soundgarden se tornaba más hosco y denso. El segundo era un tipo bastante amable y centrado. Tuvo una intuición melódica tan característica que hizo que su música fuera transversal y con menos ripios agresivos.

Es realmente una pena enorme. Recuerdo que cuando actuó en Chile en 2007 se reunía Led Zeppelin en Inglaterra y él era un fanático duro. Esa noche interpretó dos temas de ellos haciendo que ese show durara casi tres horas, algo que hoy es considerado un concierto mítico. Fue un gran encuentro.

La de Cornell es una historia musical que no muere y su legado es más que un puñado de preciosas melodías que, de seguro, van a ser parte del patrimonio del Congreso Musical de Estados Unidos. Hay en sus creaciones un montón de raigambre que tiene que ver con este sonido antiguo de su país.

Nos deja una sensación de enorme orfandad tal como ocurrió con las partidas de B.B. King y David Bowie. Durante toda su carrera lo vi evolucionar y recuerdo sus palabras: "En la complacencia del fan yo me debilito". Decía que cuando las cosas se ponen duras, es cuando él surgía. Hay que tener cuidado con la complacencia porque te debilita. Tenía una cercanía, pero también una indiferencia por las situaciones.

Cuando murió Cobain en el 94, recuerdo el discurso de Courtney Love. Dijo que Eddie Vedder viviría 100. Y ahí está él hoy y debe ser el hombre que está más afectado que nadie, porque probablemente los va a enterrar a todos.

El grunge fue una manera de nominar a un cierto grupo, del que nos sentimos viudos, y yo en lo particular me siento huérfano. Espero que Pearl Jam tenga una larga vida y en su próximo disco se convierta en Temple of the dog, porque eso es lo que tendrán que hacer ellos: tendrán que asumir que por segunda vez en sus carreras han perdido un cómplice, a un compañero de ruta. Seguro será un disco con una aura fúnebre, como una despedida.

Gratis y en homenaje a Ernesto Quezada: Festival de Guitarra en Buin

El Mercurio

El 2° Festival de Guitarras del Maipo "Ernesto Quezada", que se realiza en honor al maestro fallecido el año pasado, programó para hoy, a las 12:45 horas y en la Parroquia Ángeles Custodios de Buin, al dúo Cruz & Souper. Los guitarristas Lorena Souper y Diego Cruz abordarán arreglos de "Tonada por despedida", de Juan Antonio Sánchez; "Trastocada", de Javier Farías, y "La consentida", de Jaime Atria, además de una selección de "Stories of Chilean Soldiers in Haiti", del propio Cruz. El festival continúa en el Centro Cultural de Buin, a las 19:30 horas, el domingo 27 con Romilio Orellana, y el domingo 3 de junio con Pedro Iglesias y Patricio Araya.

Familiares despiden a Ángel Parra

El Mercurio

Sobre un bote en medio del mar, los hijos y la esposa del cantautor nacional -junto a algunos familiares y amigos- lanzaron sus cenizas ayer a las 12:30 horas frente a la playa El Canelo, en la V Región. La ceremonia fue íntima y emotiva. Algunos de los asistentes esparcieron flores mientras que Ruth, la viuda del artista, dejó un sombrero sobre el agua. Ángel Parra hijo escribió ayer en su cuenta de Instagram: "Amor de gente nos acompañó en este dolor profundo. Estamos mejor. Gracias amigos". A Javiera Parra se la vio sosteniendo un ramo de flores amarillas y cantando "Gracias a la vida" en un video que compartió el diputado Pepe Auth en su cuenta de Twitter. Ángel Parra, hijo de Violeta Parra, falleció en Francia el pasado 11 de marzo, y durante estos meses se gestionó el traslado a Chile de sus cenizas.

Este martes, gratis: Stabat Mater de Pergolesi en Casas de Lo Matta

El Mercurio

Tobias Volkmann , director titular del Teatro Municipal de Río de Janeiro, conducirá este martes en Casas de Lo Matta el Stabat Mater de Pergolesi. Participarán la soprano Carolina Muñoz y la contralto Ana Navarro, como solistas vocales, y un ensamble instrumental que encabeza el violinista David Núñez. A las 20:00 horas, en Kennedy 9350. Entrada liberada

Así se rearma el Teatro Regional de Rancagua

El Mercurio

Tras un difícil comienzo de año, en febrero asumió como directora artística de este escenario la gestora cultural Francisca Pizarro, quien adelanta los pasos para volver a levantar este coliseo de la VI Región. Confirma la presentación de la ópera "Carmen" en noviembre, descartando -por el momento- la programación de títulos barrocos. "Vamos a seguir brillando, como lo hacíamos antes, pero de forma ordenada", señala.  

Maureen Lennon Zaninovic 

Como se publicó en este diario hace unos días, una denuncia sobre la gestión de los dineros, que significó el despido de una contadora y continuó con la renuncia forzada, a fines del año pasado, del director del Teatro Regional de Rancagua, Marcelo Vidal, abrió un verdadero vendaval de notas y trascendidos en diversos medios locales y nacionales. Junto con ello, se inició una investigación que está en curso, la que busca aclarar el destino de dichos dineros, supuestamente malversados.

Pero más allá de este delicado tema presupuestario, críticos y melómanos reconocen que Marcelo Vidal -músico de profesión- encabezó un huracán cultural en la zona, al transformar este coliseo de Rancagua en una sala donde se podían presenciar obras que nada tenían que envidiarle al Municipal de Santiago.

Con un aforo de 729 butacas, en 2015 -y a casi un año de su inauguración-, este escenario acogió dos montajes: "El barbero de Sevilla", de Rossini, y el estreno en Latinoamérica de "Platée" (1745), de Jean-Philippe Rameau. Una exitosa coproducción con el Ministerio de la Cultura de la ciudad de Buenos Aires, permitió que este último montaje también se presentara en la Usina del Arte de Buenos Aires: un innovador centro cultural inaugurado, en 2012, en el barrio La Boca. En 2016 fue el turno de una ambiciosa temporada con tres títulos: "Don Giovanni", de Mozart; "Las indias galantes", de Rameau, y el "Orfeo", de Monteverdi (este último tuvo una extensión en el Teatro Oriente). Y para el 2017, antes de que estallaran los últimos acontecimientos, se había confirmado la realización de un mes dedicado a Claudio Monteverdi (1567-1643) y que culminaría con la presentación de la ópera "L'incoronazione di Poppea".

Es una realidad que la incertidumbre que generó -en los últimos meses- el futuro del teatro, terminó golpeando fuerte a los operáticos del país, muchos de los cuales viajaban especialmente para disfrutar las presentaciones líricas de este escenario. El propio Círculo de Críticos de Arte premió en dos oportunidades a este escenario por su aporte al género.

"Lo que se hizo en el Teatro Regional de Rancagua fue único. Lo primero es que se generó un espacio artístico musical de primer nivel, con resultados muchas veces superiores a los vistos en Santiago. Pero además se exploró un repertorio que casi no se aborda en el país, posibilitando así que el público lo conociera y que los intérpretes chilenos pudieran tener la experiencia de hacer trabajos como esos en el ambiente y con los recursos adecuados. Es una enorme pérdida para el país que no se continúe en esa línea", comenta Juan Antonio Muñoz, crítico de ópera de "El Mercurio".

Separar aguas

La fuerte tormenta que azotó a este coliseo de la Región de O'Higgins poco a poco ha comenzado a amainar. En esa línea, en febrero asumió la gestora cultural Francisca Pizarro como directora artística de la Corporación de la Cultura y las Artes de la Municipalidad de Rancagua, entidad que, a su vez, administra el Teatro Regional, la Casa de la Cultura de Rancagua y los centros culturales Oriente y Baquedano. "Es un cambio y desafío enormes, porque antiguamente la corporación administraba solo el teatro, pero ahora se sumaron tres espacios más", adelanta Pizarro a "Artes y Letras". La profesional estudió comunicación audiovisual en Chile, dirección de arte en España y cuenta con una especialización en gestión cultural. Junto con ello, en la VI Región trabajó en el Consejo Nacional de la Cultura y de las Artes (su última labor al interior del CNCA fue coordinar la unidad de recursos humanos).

"Quiero mucho a esta tierra y es un sueño cumplido estar aquí. También hice una pasantía en el Municipal de Santiago y me ilusioné con la posibilidad de trabajar en un espacio de esas características, tener contacto con los artistas, que es una experiencia que me encanta. Cuando me integré al Consejo fui partícipe de las conversaciones para dar forma a este teatro y ayudé a coordinar para que viniera a la inauguración el Ballet de Santiago, con 'Zorba el griego'. Hay mucho por hacer, sobre todo en esta ciudad, donde no existe formación artística en las universidades", explica Francisca Pizarro y añade que "se está trabajando en formar equipos, en mejorar el clima laboral e instalar nuevos procedimientos, labores que no han sido fáciles. Estamos en un proceso de transición y dentro de esa fase nos dividimos las tareas. Yo estoy a cargo del área artística. Cristián Urrutia es el gerente general y él -junto a Andrea Delgado, subgerente de administración y finanzas- está a cargo de la contabilidad y contratos. La idea es separar aguas y es muy bueno que sea así. El alcalde Eduardo Soto es el presidente de la Corporación de la Cultura y las Artes de la Municipalidad de Rancagua, y se generó un equipo de producción que estará al servicio de los cuatro espacios que administramos".

Al consultarle por las líneas programáticas, Francisca Pizarro adelanta que están trabajando en una oferta diversa y realista, dada la complicada situación económica que atraviesa este escenario. "Tenemos claro que debemos tener una producción propia de ópera, seguir esa línea que marcó un precedente. El eje clásico estará presente, a través del ballet, los conciertos y la ópera. Esta semana, por ejemplo, estuve con el director de escena Rodrigo Navarrete, quien estará a cargo de las presentaciones de 'Carmen', de Bizet, en noviembre. Nuestros esfuerzos presupuestarios están puestos en esta ópera, que para nosotros es fundamental, porque es un título que aún no se ha mostrado en la región".

Al preguntarle sobre la posibilidad de programar ópera barroca, advierte "que no está en proyecto estrenar algún montaje de ese período. Nuestra prioridad en este momento es poder generar una oferta más masiva, con títulos que la gente ubique con mayor facilidad".

Sobre la programación, Pizarro explica que están apostando por un modelo complementario que les asegure sustentabilidad en el tiempo, "con coproducciones, producciones propias y arriendos de la sala. La línea formativa es otro de los ejes que estamos desarrollando fuertemente, a nivel de la Corporación de Educación de Rancagua y de la Federación de Instituciones de Educación Particular (Fide), con distintas presentaciones en colegios, sumando fichas educativas. También acabamos de fundar la primera Escuela de Ballet del Teatro Regional de Rancagua, liderada por Edymar Acevedo, ex integrante del Ballet de Santiago. La idea es ir formando a bailarines locales y que después ellos puedan estrenar y presentarse en este espacio".

En una prueba de su ecléctica oferta programática, este jueves se presentó el legendario actor Humberto Duvauchelle y viernes y sábado fue el turno del humorista Edo Caroe. El 2 de junio se transmitirá -vía streaming - una función del Ballet de Santiago del clásico "El lago de los cisnes", y el 8 de junio está programada la actuación de un grupo de estrellas del ballet ruso. En julio, este escenario acogerá el ballet "Coppelia", de la compañía del Teatro Nescafé de las Artes que dirige Sara Nieto, y en noviembre, además de la ópera "Carmen", está confirmada la tercera edición del Festival Toccata Rancagua que lidera Alejandra Kantor.

"Vamos a salir adelante"

Otra de las novedades de este coliseo es la reciente fundación de la Orquesta Sinfónica Juvenil del Teatro Regional de Rancagua. Se acaban de realizar las audiciones y quedaron seleccionados 38 intérpretes, entre los 18 y 35 años. Su director es el músico cubano Eduardo Díaz, quien cuenta con una destacada trayectoria en su Cuba natal -junto al Ballet Nacional de Alicia Alonso-, en Corea y Europa. Díaz señala a "Artes y Letras" que el 9 de junio la agrupación ofrecerá su primer concierto en el teatro, con distintas oberturas, intermezzos y coros de populares óperas. "Después tendremos un receso importante para prepararnos para nuestro gran desafío de noviembre: 'Carmen', de Bizet", dice y remata que los integrantes de la orquesta "reciben un sueldo y es una valiosa oportunidad formativa para ellos, porque tenemos algunos profesores que están ocupando los primeros atriles de este conjunto. La idea es que sea una orquesta taller. También hay un coro amateur que se sumará a las presentaciones de este espacio".

Francisca Pizarro puntualiza que en el Teatro Regional de Rancagua estamos convencidos de que "vamos a salir adelante. Vamos a seguir brillando, como lo hacíamos antes, pero de forma ordenada".

Gran Arena Monticello tendrá una gala inaugural con la actuación de Carlos Vives

El Mercurio

El recinto con capacidad para 4 mil personas abrirá oficialmente el sábado 8 de julio con un show del cantante colombiano. En otras fechas se sumarán Myriam Hernández, Américo y Pimpinela.  

Eduardo Miranda 

Por estos días se levanta un nuevo recinto para espectáculos en el país, y la apertura de sus puertas ya está agendada. Gran Arena Monticello se inaugurará oficialmente el sábado 8 de julio con una gala que tendrá como invitado central al músico colombiano Carlos Vives.

El recinto, con capacidad para 4 mil personas, comenzará a funcionar antes, y para junio ya están programados shows de La Oreja de Van Gogh, Nano Stern y Myriam Hernández. Sin embargo, su apertura oficial se proyecta como gala con varios espectáculos y artistas invitados.

También se realizó una alianza de difusión, para ese día, con el canal Chilevisión.

En los próximos días se pondrán a la venta las entradas para el evento. La producción del casino también está definiendo los otros números que acompañarán a Carlos Vives en el escenario.

El espacio es parte de una inversión de US$ 20 millones que realizó la empresa de casinos. El recinto dedicado a espectáculos tiene una cúpula de 17 metros de altura y la boca del escenario mide 13 metros.

Después de la inauguración de la sala, la producción ya está programando la agenda del nuevo espacio. El 14 de julio se presentará la banda GIT y al día siguiente será el turno de un show de Américo. KC & The Sunshine Band estará en escena el 22 de julio, y ese mes lo cerrarán Los Vásquez y el dúo Pimpinela.

Para agosto ya están programadas las presentaciones de Natalino, Cristopher Cross, Diego Torres y Kool and The Gang.

miércoles, mayo 17, 2017

Bajista lanza disco con música de Vivaldi

El Mercurio

Mauricio Nader, conocido nombre de los circuitos del heavy metal, presenta un proyecto solista que lo sitúa en la música de cámara. Una gira de 16 conciertos lo tendrá hoy en San Felipe y mañana en Talca, presentando su segundo disco, "The four seasons", donde realizó una adaptación de la gran obra de Vivaldi para bajo "cordmelódico".

Listado de Conciertos Actualizado revise Aquí:

17 Mayo - SAN FELIPE - Colegio Alemán (Ruta 60 - CH, #501, Panquehue) - 15:00 hrs. Entrada Liberada, previa inscripción a info@mauricionader.com

18 Mayo - TALCA - Centro Extensión UTalca (2 norte 685) - 19:00 hrs. - Entrada Liberada

19 Mayo - TEMUCO - Centro Cultural Padre Las Casas (Manquehue 1441) - 20:00 hrs. - Entrada Liberada

20 Mayo - VALDIVIA - Perro Negro Rockbeer (Esmeralda 675) - 22:00 hrs. - Entrada $1.500

24 Mayo - PUERTO MONTT - Pub Barrabass (Alcalde 538) - 23:00 hrs - Entrada Liberada

25 Mayo - CASTRO - La Cueva de Quicaví (Blanco Encalada 55) - 22:00 hrs. Entrada $1.500

26 Mayo - ISLA PULUQUI (Calbuco) - Escuela Rural El Sembrador - Chope - 14:00 hrs. Entrada Liberada

26 Mayo - CALBUCO - 14 Islas Cervecería - 22:30 hrs. Entrada Liberada

27 Mayo - ANCUD - Teatro Municipal (Blanco 663) - 20:00 hrs. Entrada Liberada

1 Junio - PUNTA ARENAS - Colegio Alemán (El Bosque 0398) - Horario y entrada por confirmar

8 Junio - VALPARAISO - Club Alemán (Salvador Donoso 1337) - 19:30 hrs. Entrada con Adhesión Voluntaria.

11 Junio NUEVA FECHA - EL MONTE - Teatro Carrera (Av. Los Libertadores 277) - 17:00 hrs. Entrada Liberada

15 Junio - LA SERENA - Colegio Alemán (Cuatro Esquinas s/n, El Milagro) - Horario y entrada por confirmar

23 Junio - CURANILAHUE - Liceo Mariano Latorre (Caupolicán 901) - 19:30 hrs. Entrada Liberada

jueves, mayo 11, 2017

Jorge Lavelli: "La ambigüedad de los personajes enriquece a 'Jenufa'"

El Mercurio

Es un innovador y un maestro, y está en Chile a cargo de la puesta en escena de "Jenufa", de Leos Janácek, que se estrena el viernes 12 de mayo en el Teatro Municipal. El director de escena argentino-francés considera que la experiencia dramática es parte esencial de aquello que se construye sobre un escenario de ópera.  

Por Juan Antonio Muñoz H. 

En la ópera ya no hay vuelta atrás: el teatro es hoy parte fundamental de un trabajo creativo y no está solo para narrar una historia conforme las convenciones, sino que exige proponer ideas que aporten al contenido musical y que den nuevas luces sobre el texto.

Fundador del Théâtre National de la Colline en París, que dirigió hasta 1996, Jorge Lavelli (1932) es un innovador inclaudicable que consolidó su nombre gracias a su mirada sobre el teatro de Witold Gombrowicz y de Raúl Damonte Botana (Copi), siempre pensando en la vigencia del arte dramático y en el aporte que puede hacer a la vida contemporánea. Fue en 1969 que comenzó a trabajar en el teatro musical y muy pronto ya estaba en medio del mundo de la ópera, que venía de una tradición de la que ni los artistas ni el público querían salir.

Una de las artistas que se ha referido con fervor respecto de su trabajo como director de escena es la soprano Sylvia Sass, con quien montó "La Traviata" (Verdi) en Aix-en-Provence en 1976. "Ella fue una revelación fantástica y nuestra 'Traviata' fue posible gracias a su enorme intuición y sensibilidad. Ni ella ni yo queríamos que esa producción fuera una acumulación de viejos vicios", recuerda Lavelli.
Fue en esos años en Aix que Frédéric Chambert, director del Municipal de Santiago, conoció el trabajo de Lavelli y se interesó en él: "Mucho después, en 2010, en Varsovia, monté una ópera de Zygmunt Krauze, una suerte de versión libre de 'Polyeucte' de Corneille. Frédéric Chambert vio esa puesta y quiso llevarla a Toulouse, y allí fue también un éxito extraordinario". Lavelli es una de las apuestas de Chambert para este año.

-En los años 70, ¿cómo recuerda que fue la recepción del público para las nuevas propuestas teatrales en la ópera? Su nombre coincide en esa época con los de Patrice Chéreau, Jean-Pierre Ponnelle, Peter Brook...
"H ubo una renovación. Yo no diría que las cosas fueron difíciles o fáciles, pero claro que hubo algún escándalo, producto en general de malentendidos. Yo lo describo como un problema cultural que se ha ido superando. Además, la crítica en Francia era, y todavía es en algún sentido, muy reaccionaria".

El dualismo en "Jenufa"

La ópera que abre el año lírico es una historia que aborda problemas familiares y sociales. Estrenada en 1998 en Chile y basada en el drama "Su hijastra", de Gabriela Preissová, "Jenufa" (Janácek) narra el caso de una joven que se debate entre el amor de Steva, el irresponsable padre de su hijo que está por nacer, y el del medio hermano de este, Laca, un hombre resentido pero que la ama. Jenufa tiene una madrastra, la Kostelnicka, que impide su matrimonio con Steva y que asesina al niño.

"Es una obra inteligente con música de una energía fascinante", dice Lavelli. "Quiero que sea una puesta de gran economía; no me gusta poner nada que no sirva sobre la escena. Tengo horror de los decorados. Me gusta que en los espacios se exprese todo".

-Cuesta caracterizar a los personajes de "Jenufa".
"Eso los hace tan interesantes. La Sacristana, por ejemplo, Kostelnicka, que representa la fuerza moral y de poder. Es una creyente, y es ella la que decide matar al hijo recién nacido de Jenufa para evitarle a ella problemas. Es algo desesperado y horrible. Después viene esa tremenda culpabilidad, pero no se puede desconocer su 'buena voluntad', porque ella lo hizo pensando que sería lo mejor".

-El asesinato de un niño recién nacido es de las cosas más terribles de la ópera, género que sabe de cosas terribles.
"Sí, y es un niño que nunca ha vivido. Se dice que no ha llorado. Es como que no alcanzó a vivir, que nació como muerto".

-La situación misma de Jenufa es difícil de explicar, con ese cambio tan drástico al final.
"Jenufa vive en una suerte de dos dimensiones. Por un lado es la enamorada de Steva, ese hombre que la ha dejado embarazada y que la abandona. Un hombre que tiene una aspiración frívola y que opta por casarse con la hija del alcalde. Hay un aspecto social que hace avanzar los conflictos internos en esta obra. Laca, el otro enamorado, también es doble: hay una pasión que lo ciega y lo hace dañar a Jenufa, pero al final ella reconoce en él al verdadero amor. Son personajes que van hasta el final con sus pasiones. Es todo muy inesperado. Eso me fascina; que los personajes no sean simples. Pienso que la ambigüedad de los personajes enriquece la pieza. El teatro sirve para alimentar ese dualismo que está en el hombre, ese querer ser otra cosa".

-Está también la presencia del clima, de la naturaleza. La nieve y la llegada de la primavera también intervienen.
"Sí, y no será nieve tipo papel picado. Aquí lloverá o nevará sobre un sitio cerrado, sobre esa pequeña cama donde está el niño. Me parece que esa imagen es angustiosa, no romántica ni sentimental. Después de algo así, el final, con Jenufa y Laca unidos como pareja, me parece algo de un optimismo reconfortante".

"La ópera no es un concierto disfrazado"

-¿Cómo se plantea usted ante el rechazo de cierto público a la innovación teatral en la ópera?
"Creo que el problema es que hay quienes quedan con la sensación de que se les ha robado un recuerdo de infancia. Quieren que todo sea igual a como lo vieron antes. Pero eso no les sirve ni a la ópera ni al teatro ni a nadie. La ópera es un sitio de libertad, pero también es un campo minado. En la ópera, siempre lo más inesperado es el público. Algunos no están dispuestos a ver cosas nuevas ni a comprenderlas, y de pronto enganchan con algo que uno ni imagina".

-Una de sus puestas en escena más comentadas de sus primeros años fue el "Fausto" (Gounod) que montó para la Ópera de París.
"Sí, es de 1975, y se siguió montando por décadas. En mi idea, Fausto y Mefistófeles son un mismo personaje que encarna el bien y el mal. Por eso en la primera escena aparecían juntos. Fue polémico y yo estaba muy sorprendido por eso, pues no había nada para hacer escándalo; era una puesta de mucho rigor y de fuerte relación con la dramaturgia. Había un desdoblamiento pirandelliano del personaje central y algo de humor, que me parecía necesario".

-¿Y los cantantes cómo reaccionaron?
"Bueno, Margarita era Mirella Freni, que tenía un criterio antiguo respecto de la ópera, y que no comprendía por qué ella tenía que estar en el último acto con un camisón de fuerza y con el pelo corto. Tuvo gran éxito, porque la escena final era muy poderosa, pero ella no sabía por qué. Una de las cosas más graciosas y raras me sucedió con el tenor, que era Nicolai Gedda. Él me dijo que había cantado esta ópera por más de 25 años y que la consideraba estúpida, que la detestaba. Él estaba feliz con lo que yo le proponía; decía haber descubierto cosas en las que jamás había pensado".

-También fue muy comentada su "Madama Butterfly" para la Scala de Milán.
"Quise evitar el naturalismo. El mundo de Butterfly era al interior de un gran cilindro de tul, y el resto de los personajes estaba fuera, mirando esto. Pedí fotos de puestas en escena anteriores de la Scala y me mostraron imágenes desde 1904 a 1975; se habían hecho cerca de 25 producciones y todas eran iguales, unas con el puente para la casita a la derecha y otras a la izquierda. Dije: esto va a conspirar contra mí. El público se manifestó en la Scala, me preguntaban qué quiere decir con esto, no entendemos. Querían algo más familiar, cotidiano, y yo quería huir de eso porque siento que limita la imaginación.

-La Scala tiene un vínculo muy fuerte con Puccini, y era difícil que el público aceptara de buenas a primeras sus ideas.
"Y esto sí era distinto. La muerte ritual de Butterfly es un tema que tiene mucha fuerza y ella representa a esa gente que sueña siempre con algo que no alcanza. Tenía una fascinación ese aspecto poético, que se aleja de la historia contada, pero que la eleva. Es ahí que se produce el placer estético; la ópera no es un concierto disfrazado. Yo he visto óperas que son un aburrimiento solemne, profundo y agresivo".

miércoles, mayo 10, 2017

Luz Cuadros, Una música más allá de las estructuras

El Mercurio

La clarinetista presenta a su sexteto de fusión, jazz y música contemporánea y las composiciones de "Desestructura" en cuatro conciertos.

Por IÑIGO DÍAZ 

Fue un viaje a Río de Janeiro el que cambió para siempre su perspectiva musical. Luz Cuadros, de 24 años, venía de tocar clarinete en proyectos de música popular y fusión cuando se instaló en Brasil e hizo contacto con Itiberê Zwarg, músico estrechamente vinculado con las vanguardias impulsadas por Hermeto Pascoal en los años 70.

"Estudié con Itiberê y sus métodos de composición colectiva en tiempo real. Toqué con las niñas de la Orquestra Família, que él dirige. Conocí a Hermeto, también a Yamandú Costa, participé en festivales de jazz de Río. Fueron nueve meses súper intensos", cuenta Luz Cuadros, hoy establecida, además, como compositora y líder.

Ahora, con 30 años, está presentando los resultados de esa y otras experiencias acumuladas en una serie de conciertos que dará desde mañana, a las 21:00 horas, en Thelonious (Bombero Núñez 336) con su conjunto, al que en un juego de palabras denomina Ensamble de Luz.

El álbum se titula "Desestructura" (Discos Pendiente) y presenta un amplio espectro de colores sonoros: aparte del clarinete, hay violín, cello , contrabajo, vibráfono, flauta traversa, y sección rítmica de jazz. "Mi música no se basa en los músicos, sino en los instrumentos que se requieren. No estudié composición, pero estuve componiendo desde el clarinete durante seis años. Compuse sin ninguna estructura que me limitara. Para mí fue una liberación de mente en el proceso creativo. Por eso lo titulé 'Desestructura'", dice.

Si bien la grabación tuvo a un noneto, Luz Cuadros actúa en directo con un sexteto, en una simplificación de panorama sónico sin perder ningún aspecto de la partitura. "Hay mucha improvisación y también espacios para la performance escénica", adelanta. Las presentaciones del Ensamble de Luz sigue en escenarios ñuñoínos como Espacio Manik (viernes) y Mingus Coffe (20), para finalizar en el propio club Thelonious (8 de junio).

Murió violinista Jaime de la Jara

El Mercurio

Tenía 85 años  y fue una figura fundamental de los últimos 50 años. "Fue uno de los más grandes violinistas y uno de los más completos", dice Luis Merino, profesor de la U. de Chile, donde Jaime de la Jara enseñó violín hasta 2014. "Traspasaba generosamente su experiencia", expresa su colega Rodolfo Mellado. Se suma Francisco Quesada: "Entre sus muchos méritos, estrenó en Chile, siendo un chiquillo, 'Las Cuatro Estaciones', de Vivaldi". Eso fue en 1955. Además de tocar en la Sinfónica y ser concertino de la Filarmónica y de la O. de Cámara de Chile, De la Jara fundó el célebre Cuarteto Chile. A las 14:30 horas habrá una misa en la Iglesia San Ignacio (Alonso Ovalle).

En este link y en este otro link pueden escuchar un par de discos editados por el Cuarteto Chile.

Marillion: "Haremos en Chile un registro que quedará para siempre"

El Mercurio

Steve Hogarth adelanta el "weekend" de la banda, que realizará 3 shows del 19 al 21 de mayo en el Teatro Caupolicán, los que serán grabados para lanzarse como un Blu Ray.  

Por José Vásquez 

Marillion timbra hitos inusuales para una banda europea en Chile: en casi exactos 12 meses, uno de los emblemas británicos del rock progresivo habrá totalizado seis presentaciones en el país, una marca llamativa que quedará sellada con su "Marillion weekend", la exclusiva cita del conjunto con sus fanáticos de todo el planeta que tendrá como sede el Teatro Caupolicán entre el 19 y el 21 de mayo.

"Tenemos fans increíbles en todo el mundo, pero la energía que hemos sentido en Santiago siempre ha sido extraordinaria, tal vez parecido a lo que sucede en Holanda y Francia. Aunque cuando lo hablamos con el resto de la banda, concordamos que cuando estamos en Santiago todo siempre es superior: el año pasado, ya antes de salir al escenario del Teatro Caupolicán sentíamos a la gente que estaba hasta cerca del techo. Nunca habíamos experimentado algo igual", cuenta entusiasmado Steve Hogarth al teléfono desde su hogar, en Oxford, Inglaterra.

En rigor, el "Marillion weekend" es un evento que el conjunto viene realizando hace casi una década, con presentaciones focalizadas en las ciudades del mundo donde la banda tiene un mayor arrastre y que llegará por primera vez a Sudamérica la próxima semana, realizándose exclusivamente en la capital. Una escala única que favorece el turismo musical no solo dentro de la región -vendrán fanáticos desde Brasil y Argentina-, ya que también llegarán a Chile visitantes desde Europa motivados por lo especial de la cita. En total, se espera el arribo de unos 600 extranjeros.

"Tendremos un fin de semana increíble. Cada noche tocaremos durante cerca de dos horas y trataremos de no repetir ninguna canción. Cada día será un concepto diferente. Para nosotros también es un desafío el preparar 6 o 7 horas de música", cuenta Hogarth, que detalla el programa del evento: "La primera noche tocaremos temas de toda nuestra carrera, tal vez dos canciones de cada disco; la segunda vamos a dividir el show en partes iguales entre las canciones más viejas del grupo, desde la etapa de Fish hasta las más nuevas de 'F.E.A.R.', tocando todo el álbum, y el cierre será con el disco 'Marillion.com' y nuestros clásicos".

Todo el espectáculo será registrado para ser lanzado posteriormente en formato de Blu Ray y DVD. "Grabaremos todos los shows de Santiago. Queremos hacer un registro en Chile que quede para siempre", promete Hogarth.

Tres teloneros
Marillion tendrá tres números de apertura en sus shows de mayo: el 19 tocará Aisles, el 20 Bad Dreams y el 21 Tryo.

martes, mayo 09, 2017

Fiscalía imputa a ex director del Teatro Regional de Rancagua por malversación de caudales públicos y negociación incompatible

El Mercurio

Audiencia de formalización será el 25 de mayo.
Para el Ministerio Público, estaría comprobado que el reconocido músico barroco Marcelo Vidal malversó y se apropió de unos $60 millones. Pero la investigación más compleja abarcará la Corporación Cultural. Alcalde promete que volverá la ópera a esa sala.

Por LILIAN OLIVARES 

Un enredo de platas que significó el despido de una contadora y continuó con la renuncia forzada del director del Teatro Regional de Rancagua, Marcelo Vidal -fundador de la Orquesta Barroca Nuevo Mundo-, abrió una caja de Pandora que hoy lleva a una investigación por miles de millones de pesos.

El próximo 25 de mayo será la audiencia en que el Ministerio Público formalizará a Vidal, de profesión músico, por malversación de caudales públicos y negociación incompatible. Esto, porque dentro de los recursos que administra el teatro hay platas fiscales.

Se trata del hombre que encabezó un huracán cultural en la zona, al transformar el teatro de Rancagua en una sala donde se podían presenciar obras que nada tenían que envidiarle al Municipal de Santiago y donde se estrenó para Latinoamérica la ópera maestra barroca "Plateé".

La salida de quien también era gerente de la Corporación Cultural que preside el alcalde, junto con la incertidumbre que generó el futuro del Teatro Regional de Rancagua, golpeó a los operáticos del país, muchos de los cuales viajaban especialmente para disfrutar las presentaciones.

Y provocó una fuerte reacción de 4 concejales del municipio -el PS Patricio Henríquez, el ex alcalde DC Carlos Arellano, Silvia Santelices (PS) y Danilo Jorquera (PC)- y del propio intendente Pablo Silva Amaya (PS). Todos ellos presentaron denuncias ante la fiscalía, señalando que habían tomado conocimiento de irregularidades en la administración del Teatro, un notable edificio que se inauguró durante el gobierno de Sebastián Piñera.

El alcalde de Rancagua, Eduardo Soto, en tanto, hizo una denuncia el 30 de diciembre ante Carabineros, que llegó como un parte a la fiscalía, dando cuenta de un posible desfalco. Días después presentó una querella. El lunes pasado llegó una nueva acción penal; esta vez, del Consejo de Defensa del Estado (CDE).

Fiscal quiere esclarecer destino de $3.500 millones

La investigación preliminar, que efectuó el mismo equipo de alta complejidad de la Fiscalía Regional de O'Higgins que lleva, entre otros, el caso Caval, tiene dos pilares.

"Uno, es la conducta desplegada por Marcelo Vidal de apropiarse de dineros propios y destinados a la operatoria del teatro, y otra línea bastante más compleja es cuál fue el destino que se dio a aproximadamente $1.200 millones anuales, durante tres años, que era el presupuesto destinado a la operatoria del teatro", dice a "El Mercurio" el fiscal adjunto jefe de Rancagua, Sergio Moya Domke.

"Está establecida la apropiación y malversación de más de $60 millones. Él (Marcelo Vidal) califica eso como errores, pero en definitiva configura las conductas propias de esos ilícitos", agrega.

Continúa el fiscal: "Puedo decir que Vidal decidió cooperar con la investigación y nos ha proporcionado bastante información relacionada con la forma en que operó el Teatro durante tres o cuatro años. Entre ello, que muchos de los espectáculos que presentaban, derechamente sabían que no eran viables desde el punto de vista económico comercial. O sea, sabían que les iban a generar pérdidas, pero de todas formas los hacían".

-Pero una cosa era ir a pérdidas y otra, malversar los fondos para echárselos al bolsillo...
-Es que por eso le digo que una línea es lo que Marcelo Vidal destinó a fines propios...

-¿Hay prueba de eso?
-Sí, si eso está establecido. De hecho, nosotros allanamos su domicilio, incautamos documentación, tomamos declaraciones a testigos, incautamos una auditoría que se hizo dentro del Teatro. Eso está claramente establecido.

-¿Qué cosas hizo Vidal con el dinero?
-Ocupó dinero para construirse una casa en el sector de Machalí... En realidad, son varias cosas pequeñas que fueron sumando. Esa es la arista que desencadena la investigación. Pero al realizar las incautaciones y tomar las declaraciones (trabajando con la Brigada Investigadora de Delitos Económicos de la PDI), se pudo pesquisar que había una interrogante mayor: Bueno, ¿qué pasa con los aproximadamente $1.200 millones anuales que eran destinados a la operatoria del teatro? En eso estamos actualmente.

-¿Y ahí puede haber otros involucrados?
-Ahí puede haber más involucrados. Exactamente. Vidal pudo haber optado por guardar silencio y esperar la imputación de la audiencia de formalización. Pero nosotros le planteamos que los montos que él destinó a su patrimonio personal eran bastante ínfimos comparados con la cantidad de dineros que él manipulaba. Ahí él dice que en realidad ese dinero fue utilizado para distintas actividades, no propias del Teatro. Y otras propias del Teatro, pero sabiendo que no eran rentables. Y ahí daba el ejemplo de las óperas: Traer un destacamento de bailarines de Buenos Aires para instalar una ópera ciertamente que no se financiaba sola.

Para el fiscal Moya, la primera etapa de la investigación está absolutamente aclarada. Pero viene un trabajo bastante más profundo y de mayores implicancias: "Esclarecer qué pasó con unos $3.500 millones, sumando lo de tres años".

La visión del alcalde

El alcalde de Rancagua espera en el sitio del suceso: el Teatro Regional de Rancagua. Esplendoroso, pero con solo 729 butacas (el Municipal de Santiago tiene 1.250). Por eso, algunos actos populares masivos los hacen en el mismo escenario, pero habilitando el estacionamiento, que es una gran explanada. Últimamente, han predominado actos masivos, como el cantante Américo o presentaciones de los Niños Cantores de Viena.

Del escándalo en Rancagua, parte narrando sus inicios. Había incorporado al ingeniero comercial Cristián Urrutia para formar una corporación de desarrollo productivo e innovación. Justo entonces tuvo dudas respecto a unas rendiciones que no coincidían. Entonces le pidió a Urrutia que se instalara en el Teatro a hacer revisiones. "Y ahí empezó a mandar reportes de cosas que confirmaron mi preocupación", dice.

Fue entonces, comenta, que se enteró de que Vidal utilizaba su productora personal, Antupra, que tenía en sociedad con su novia alemana, "con contratos en torno a los $38 millones en todo el período", para el teatro. También su corporación de la Orquesta Barroca. "Si me hubiera enterado de que él utilizaba una productora suya, no lo habría permitido, obviamente. Nadie debería hacerlo", dice.

-¿Y qué hizo usted cuando se enteró? ¿Habló con él?
-Sí, me reuní con él. Le planteé mi molestia y disconformidad. Las explicaciones que me dio no fueron satisfactorias y, por lo tanto, no había ya confianza para que él siguiera. Este es un cargo que requiere tener a una persona de confianza. Y ese fue el término de la relación laboral.

Reflexiona: "Conseguir los recursos para echar a andar el Teatro, que fue entregado el 17 de julio de 2013, no fue fácil. Hubo aportes del gobierno regional, del municipio, de la corporación, y de otros como Codelco. Queríamos demostrar que en Rancagua podemos hacer cultura en serio; que no todo es reggaetón. Había políticos que pensaban que el Teatro no se podía destinar a esos fines, sino que había que hacer cultura popular, decían. Bueno, pusimos todo nuestro empeño, y surgió esto, que terminó finalmente con una connotación política. Ahora comenzamos una nueva etapa, no ha sido fácil. Implica un enorme desafío, porque vamos a demostrar que estamos más vivos y vigentes que nunca".

-¿Qué controles va a tener ahora, para que no pase de nuevo?
-Bueno, estamos terminando una auditoría externa, tengo a un asesor externo que me hace revisiones de procedimiento, y hoy en día nuestra tarea está en todas las corporaciones; es ahí donde debemos poner especial cuidado. En cuanto al Teatro, Cristián está ahora de lleno, como gerente, revisando todo en forma permanente.

Interviene Cristián Urrutia:
-La contabilidad será aquí equivalente a la del municipio, con todos los filtros y controles. Y lo otro es que todos los reportes, de cualquiera de las corporaciones, tienen que ser auditados.

 Los defensores del músico Marcelo Vidal

Los defensores penales públicos Víctor Providel -jefe de la Unidad de Estudios Regional- y Luis Díaz Guajardo trabajan en la defensa del músico Marcelo Vidal. "Él ha entregado todo, y la fiscalía así lo ha entendido", dicen, enumerando que ha prestado dos declaraciones y "colocó a disposición no solo sus cuentas personales, sino de las sociedades". Aseguran que "todos los dineros que Marcelo ha recibido fueron invertidos en cultura. Tal vez había a veces la necesidad y la urgencia de utilizar esos recursos de manera rápida, para cumplir con los objetivos. Pero todo peso que efectivamente llegó al Teatro Regional fue invertido en las actividades del teatro. Nosotros estamos encargando un informe contable para verificarlo". Dicen que la arista política a ellos no les interesa. Que simplemente saben que esta se abrió después que la contadora le reclamara a Vidal que no la defendió cuando la despidieron.

Ex director del teatro reconoce que usó su productora como "caja pagadora", pero insiste en que "aquí no hubo mala fe"


Una historia de manufactura de circo pobre, con un hombre orquesta que era él -pero que llegó a administrar recursos de rico-, es la que cuenta Marcelo Vidal cuando narra por primera vez cómo se llegó a este "desfalco" en el Teatro Regional de Rancagua.

Decían que estaba escondido, que se había sumido en una profunda depresión. Y que no quería hablar con la prensa. Pero durante dos horas contó su versión de los hechos a "El Mercurio".

Su padre era un carpintero nacido en Chiloé que se instaló en Rancagua con su esposa. Ahí nació y creció Vidal, soñando con ser artista. Luego estudió en el Conservatorio de la Universidad de Chile, y consiguió una beca para ir a estudiar a Alemania. Partió a México, donde dirigió y fue solista de la Orquesta Sinfónica Normalista de Puebla. Comenzó a viajar a Chile, porque tenía el anhelo tener una orquesta de música antigua acá. Por el año 2011 formó la Orquesta Barroca Nuevo Mundo en Rancagua, donde los músicos construían los instrumentos. Orquesta que tomó vuelo, y que lo llevó a ser conocido.

Por eso lo llamó -relata- el jefe de gabinete del ex intendente de Rancagua, Juan Ramón Godoy, quien le pidió que se hiciera cargo de la puesta en marcha del proyecto del Teatro Regional. El edificio ya estaba casi concluido, pero había que preocuparse de que el escenario contara con todas las condiciones para presentar obras de gran envergadura, como le pidió el alcalde de Rancagua, Eduardo Soto. Así, puso su primer pie en el Teatro, y de ahí en adelante no salió más, hasta diciembre de 2016.
En el camino se convirtió en gerente de la Corporación de la Cultura y de las Artes, que administra y gestiona cuatro espacios culturales: el Teatro Regional, la Casa de la Cultura de Rancagua, el Centro Cultural y Sala de Teatro Baquedano y el Centro Cultural Oriente. También en gerente y director artístico del mismo teatro, e implementó todo lo que se hizo allí. Ganaba -dice- una remuneración líquido de $1.950.000.

La "caja pagadora"

Según relata, él mismo se encargó de buscar al personal. Fue así como contrató, para que llevara la contabilidad, a Sidia Cariz Rojas, que había sido compañera suya en el Instituto Comercial; llevó a alumnos suyos a trabajar en el teatro, los que después se convirtieron en tramoyistas. Le pedía trabajos de carpintería a su padre, porque le cobraba menos, así como contrataba a su novia alemana que era videísta y al arquitecto que le hizo los trabajos en su casa en Machalí para que le ayudara con los trabajos del teatro.

Y hacían producciones y presentaron grandes obras, y necesitaban plata al momento, y entonces utilizaban la productora del propio Marcelo Vidal, Antumbra, como una especie de "caja pagadora", lo reconoce. Y explica que, por ejemplo, necesitaban pagar a 60 artistas, y en vez de tramitar 60 cheques, hacían uno a nombre de su productora, recibían la plata, y la pagaban a los artistas. Esto, a través del tiempo. Así como utilizaban su camioneta personal y luego él cobraba los gastos de mantención y la bencina, hasta que a uno de los miembros del directorio de la Corporación no le pareció correcto; entonces comenzó a usar la camioneta de su padre. Lo mismo pasaba con los celulares, viajes y viáticos que usaban.

Marcelo Vidal cuenta que también debía desembolsar platas para diferentes actividades de la Corporación, como extensiones, fiestas populares, apoyo a artistas, se arreglaban edificios patrimoniales, la reconstrucción de la Casa de la Cultura; en fin.

Todo parecía de locos cuando revisaron las rendiciones de cuenta... y ya era el final. Su final. Ocurrió al regreso del alcalde Soto, luego de que salió reelegido. Marcelo Vidal le tenía una noticia: un déficit de $120 millones. Ahí se le encendió la alarma al alcalde, y comenzaron a revisar las cuentas: la caja no cuadraba.

Y reflexiona pensando en el Teatro: "Nunca pensé en el éxito, porque a lo mejor hubiese sido más cuidadoso. Siempre pensé que podíamos hacer cosas grandes y con contenido. El alcalde no me decía que no, porque sabía que íbamos a tener cosas buenas. Imagínese que cuando sucede esto estábamos entre dos óperas: 'Orfeo' y 'La Coronación de Popea', que se estrenó hace dos semanas en Buenos Aires", comenta.

El interventor

"Ahí el alcalde me presenta al ingeniero comercial Cristián Urrutia y me dice que va a trabajar con nosotros en el teatro para apoyarnos desde el punto de vista comercial, pero yo inmediatamente me di cuenta de que era un interventor. Fue en noviembre de 2016. Se dio cuenta de que teníamos desórdenes administrativos, había visionado algunas cosas. En vista de eso y de que no llevábamos un control, el alcalde pide que se despida a Sidia (la contadora), que tenía el cargo de jefa de administración".

Dice que Sidia le reprochó su falta de apoyo cuando la despidieron. Y de ahí para adelante comenzó a sospechar, porque Sidia entraba y salía del teatro, y comenzó a entregar información. "Ella sacó y fotocopió documentos. Y desaparecieron muchos, incluidas sus liquidaciones de sueldo, su contrato, sus vacaciones... Con eso, ella comenzó a manejar su finiquito. Pedía una indemnización de $19 millones", dice Vidal.

Asegura que luego él se enteró de la presión que ella estaba empezando a ejercer:
-Si no le pagaban lo que ella pedía y si no me echaban a mí, decía que era una bomba que iba a estallar, lo dijo ella textualmente. Esos papeles llegaron a manos de Felipe Letelier (el diputado PPD por la zona) y del intendente, y lo hicieron público. La forma de presionar de Sidia era decirle a Felipe Letelier que hiciera estallar esta bomba. Y él (Letelier) lo tomó como su botín político.

¿Cómo explica la compra de su casa en Machalí? 
"Mi casa es del 2012. Le hice una ampliación. Tengo un préstamo en el banco. La piscina estaba tratada de antes con el constructor. Tiene una terraza nueva", responde, manifiestamente complicado.

El 23 de diciembre de 2016, el alcalde Soto le pidió que presentara la renuncia. "Y yo, como nunca le dije que no, no le dije que no", dice Vidal.